Cineclub Jaime Casillas

Víctor Ugalde deja la escuela de SOGEM

2011-04-15T12:40:00.000-07:00

Estimados compañeros,

Como ustedes saben mi relación con la SOGEM es de hace mucho tiempo y no se limita a la experiencia de la escuela. Desde 1979 soy socio de la SOGEM y desde ahí me ha tocado vivir las épocas buenas, las malas y regresar a las buenas y ahora nuevamente a las malas. En su momento he sido defendido con éxito por la SOGEM , también he apoyado fuertemente las políticas autorales impulsadas por sus brillantes presidentes como fueron José María Fernández Unsaín y Víctor Hugo Rascón Banda.

En materia de crisis escolares, me tocó vivir la de Alejandro Cessar Rendón, la de Teodoro Villegas y ahora la de Mario González Suárez. En todas, los maestros luchamos por el respeto a los derechos de los directores, de los maestros y de los alumnos contra los actos arbitrarios de algunos miembros del Consejo Directivo y su presidente en turno.

En las ocasiones anteriores, la justicia privó y el proyecto de la escuela impulsado por todos los miembros de la Sociedad de Escritores, gracias al apoyo económico administrativo, se mantuvo y creció.

Desgraciadamente se ha vuelto uso y costumbre acusar de mala administración a los directores que se quiere expulsar, aunque inmediatamente después se les indemnice conforme a derecho con cargo a nuestras cuotas. Los dos últimos han pedido claridad y transparencia en los ingresos y egresos de la Escuela y hasta el momento no han sido atendidos sus reclamos. Una vez que se les cambia, todo vuelve a la normalidad.

También se ha vuelto uso y costumbre, por parte de las autoridades de SOGEM, el no dialogar con maestros y alumnos. Política que sirve para agravar los conflictos y no tratan de resolverlos. Para esta administración resolverlo es imponer su criterio de forma autoritaria. Dialogar les supone hablar con cualquier persona ajena a los ejes del conflicto.

Hoy, nombran Directora de la Escuela a la escritora Elsie Méndez. Somos amigos de largo tiempo. Ella no es el problema, es la forma que actuar del Consejo Directivo. Hace unos años, unos socios que decidieron luchar por sus derechos con la ley en la mano, recibieron como trato la suspensión temporal de sus derechos societarios, ante el silencio cómplice de las autoridades autorales. Hoy, otros escritores que quisieron dialogar reciben el silencio y el desprecio como respuesta.

Por esto, los maestros de largo andar y los de reciente incorporación a la Escuela de Escritores han decidido crear un nuevo proyecto académico independiente de la Sociedad de Gestión conocida como la SOGEM. Un lugar donde se respeten los estatutos académicos, donde se dialogue y se resuelvan los conflictos por este medio. Les deseo la mejor de las suertes. Contarán con mi apoyo en la medida de mis posibilidades.

Sin embargo no los sigo, nunca he creído en la frase de “Divide y vencerás”. Creo más bien que siempre perdemos todos. La SOGEM es muy importante para los autores y lucharé dentro de lo establecido en la Ley Federal del Derecho de Autor, me manifestaré en las asambleas al respecto y en su momento, según sea el caso, los invitaré a la unidad. Creo que los escritores unidos somos fuertes, divididos somos un flan para las grandes empresas.

Igual que Aline Petersson, considero que ya ha pasado mi tiempo como profesor en la Escuela de SOGEM. Cumpliré la mitad del semestre que me resta en algún sitio idóneo y después me reincorporaré como escritor y director a la industria cinematográfica mexicana. Ya me hace falta.

Espero que en esta ocasión la sociedad mexicana gane con la existencia de dos escuelas de escritores. Mucha falta nos hace y los beneficios son múltiples. Espero que en los dos centros académicos se dé la materia sobre Derechos de Autor, materia que se había eliminado recientemente en el plan de estudios de la SOGEM y que para mí es un arma fundamental que sirve para proteger tanto a la obra como a los futuros creadores de nuestro país.

México, D. F. a 4 de Abril del 2011

Atentamente

Víctor Ugalde

La escuela de la SOGEM, sin cabeza

2011-03-03T22:09:00.000-08:00

http://eleconomista.com.mx/entretenimiento/2011/03/02/escuela-sogem-sin-cabeza

2 Marzo, 2011 - 17:45

Crédito:

Alejandro Flores/El Economista

Hoy nadie sabe quién es el director oficial de la Escuela de la Sociedad General de Escritores (SOGEM). Al menos, quien fungiera como tal hasta hace unas semanas, el escritor Mario González Suárez, desconoce el status oficial que tienen ante el Consejo, y la presidenta de la SOGEM, Lorena Salazar, no se ha pronunciado públicamente al respecto.

Esta situación ha desestabilizado a la comunidad estudiantil y docente, quienes a partir del martes promueven desde la red social Facebook un grupo con el nombre “No al cierre de la Escuela de Escritores SOGEM”, en el que alumnos, ex alumnos, maestros y simpatizantes han pronunciado su descontento ante la posibilidad de que la escuela deje de funcionar. Mínimo, la alerta y la preocupación se extendieron en tan solo unas horas.

Sin embargo, el mismo martes, la presidenta de la Sociedad, aseguró que la escuela no cierra: “Para nada. ¡Cómo piensan que vamos a cerrar algo tan importante!”, aseguró por la tarde, desconociendo toda la serie de declaraciones que ya se habían vertido en la red social. “Yo ni siquiera tengo Facebook”, apeló.

Si no hay declaración formal de cierre, para los maestros es evidente que la SOGEM ha abandonado a la Escuela haciéndose de la vista gorda hasta dejar que muera sola: “Esta es una decisión (el cierre) que está tomada desde el Consejo pero que nunca se ha expresado abiertamente. Era algo evidente por la relación que tenía SOGEM con la escuela, relación que se fue deteriorando básicamente con los maestros”, comentó en entrevista González Suárez.

Las palabras del director interino (formulación utilizada por la presidenta de la SOGEM) fueron respaldadas el día martes por el también profesor de la Escuela y, además, miembro del Consejo de la Sociedad por el área de Literatura, Gerardo de la Torre:

“Para nadie es un secreto que Lorena Salazar y Jesús Calzada (presidente de Fiscalización y Vigilancia de la Sociedad) se han pronunciado por cerrar la Escuela de Escritores. No se han atrevido a hacerlo o por lo menos a proponerlo en una asamblea. Pero sin duda están buscando la oportunidad”, publicó el docente en la página de Facebook.

Ya de viva voz, Gerardo de la Torre sostuvo: “Desde hace mucho tiempo (ellos) han estado con que si la escuela no llega a ser autosuficiente eso le perjudica económicamente a la Sociedad. Y por eso se empeñan en cerrarla”, añadió.

De la Torre dijo que la SOGEM no aporta dinero porque la Escuela se debe sostener con las colegiaturas que pagan los alumnos. El problema para la Escuela se acentúa porque muchos de sus alumnos han dejado de ser constantes en sus pagos. Por otro lado, es conocido que desde el 2009 la SOGEM cuenta con un déficit de 65 millones de pesos.

Las razones de la renuncia

Mario González Suárez presentó su renuncia el pasado 9 de febrero, debido a lo que él llama: “la obstrucción sistemática de todas las propuestas que he hecho para mejorar la calidad de los servicios de la Escuela y de sus instalaciones”.

Estas consisten en la puesta en funcionamiento de la biblioteca, que cuenta con espacio y un acervo de 4,000 volúmenes que no se pueden usar porque no están clasificados; la creación de una página web interactiva; la adquisición de tecnología (cuatro computadoras) para administrar la Escuela; la contratación de personal capacitado en bibliotecología, y la “urgentísima” restauración del inmueble y renovación del mobiliario: “La Escuela literalmente se está cayendo”, dijo el maestro.

Cuando González Suárez presentó su renuncia aseguró a la maestra Lorena Salazar que seguría trabajando hasta junio pero días después fue convocado a las oficinas de la Presidencia y el 22 de febrero Salazar le comunicó que el Consejo había decidido que dejara el cargo ya y le darían una liquidación pero sin precisar fechas.

“La renuncia no fue aceptada. Ellos me corrieron. Pero como no hay nada oficial, si yo me voy sería como que abandoné el puesto”, añadió el escritor.

Esta es la versión de Salazar: “Sé que el maestro renunció pero se iría a partir del primero de julio. Yo estaba tratando de conseguir otro director, porque él siempre estuvo en calidad de interino. Sí aceptamos la renuncia pero solo fue verbal. Ya he hablado con algunas personas que los sutituyan. En el Consejo lo vamos a ver”, comentó.

Ha trascendido que en diciembre pasado, Salazar ofreció la dirección de la Escuela al escritor Eraclio Zepeda, quien no cobraría nada y no tendría que presentarse en el plantel, sólo dar su nombre.

Reacción en cadena

Según González Suárez, los argumentos de la maestra Lorena, o del “consejo”, para despedirlo se basan en que los maestros y los alumnos se reúnen a beber y él lo permite y en que no ha hecho caso al Consejo que quiere modificar el programa de estudios.

“Hace poco, en la reunión del Consejo Directivo de la SOGEM, del 15 de febrero, se virtió una declaración bastante estúpida. Se dijo que los maestros se ponían beber y a hacer orgías. Sí hay una afán muy claro de decir que la Escuela se está coviritiendo en un lugar de vicio”, dijo el escritor de 73 años Gerardo de la Torre, quien en la misma reunión contestó que eso era una calumnia y que el único maestro que se iba a beber con los alumnos era él: “les dije: sí, y celebramos orgías de Melville, Faulkner, Mann, Joyce, etc. (seguramente pensaron que eran nombres de whiskyes y vodkas). Aun así, Lorena insistió en señalar que nuestra escuela era una escuela de borrachos”, escribió en la página de Facebook.

“La gran molestia embozada que tienen tanto Lorena (Salazar) como el Consejo, es la exigencia que hemos hecho de que la escuela necesita mantenimieno, equipo y que se respete a los maestros: es un desdén por los maestros como nunca había existido”, añadió González Suárez.

“Yo, por ejemplo, no he tenido ningún tipo de comunicación con la SOGEM desde el 22 de febrero”, a pesar de la reacción en cadena que ha provocado la publicación en Facebook de varios documentos que ponen en duda el trabajo de Lorena Salazar, a quien además se le entregó personalmente una carta firmada por los alumnos, fruto de una serie de reuniones entre maestros y alumnos de la Escuela de la SOGEM realizadas el mismo martes.

En resumen, los resolutivos de los alumnos apuntan el rechazo unánime al despido de Mario González Suárez como director, exigen que se mantenga la actual plantilla de profesores y que se apoye el proyecto de renovación, solicitan abrir nuevos canales de comunicación entre el Consejo y la presidencia de la SOGEM hacia la comunidad estudiantil, y que se pronuncien al respecto.

Por su parte, los profesores resolvieron reunirse con Lorena Salazar y Jesús Calzada para que den una explicación sobre lo que quieren hacer con la Escuela, y que aclaren el status laboral del González Suárez.

aflores@eleconomista.com.mx

Adiós Foro Hilvana

2010-10-06T16:51:00.002-07:00

Queridos amigos,

Por causas ajenas a este cineclub quedan canceladas las funciones a partir de ahora y hasta próximo aviso. Estamos buscando una nueva casa. Si sabes de algún sitio donde podamos proyectar, agradeceremos que nos lo hagas saber: cineclub.jaimecasillas@gmail.com

Esperamos que pronto sea posible reanudar nuestras actividades.

Por ahora, un saludo cineclubista.

¡Abróchense los cinturones!

En octubre: CYBERPUNK!

2010-09-30T19:19:00.000-07:00

Para algunos, una reliquia muerta de los años 80; para otros, un género vivo que se remonta a los tiempos de la clásica Metrópolis (Fritz Lang, 1927).

El cine Cyberpunk se extiende en muchas corrientes, pero generalmente se centra en el underground de la sociedad controlada por una entidad poderosa, el impacto negativo de la tecnología sobre la humanidad, el acceso al universo de información y la fusión del humano con la máquina. La estética cyberpunk generalmente es "sucia, hiper-realista (...) en un futuro cercano. A menudo, las películas cyberpunk tendrán un color dominante (...) patrones de motivos oscuros que contrastan con neones chocantes (...) un estilo sofisticado, reluciente." [2].

Según el manifiesto cyberpunk de Christian A. Kirtchev (1997), los cyberpunks son "las mentes electrónicas, un grupo de rebeldes de mente libre. Los cyberpunks. Vivimos en el Cyberespacio, estamos en todas partes, no conocemos fronteras". [1]

Les presentamos como introducción cuatro clásicos:

Octubre 5

Brazil

(Terry Gilliam. Reino Unido, 1985)

En un futuro distópico y pesadillesco, la humanidad trata de escapar de la realidad introduciéndose en sus sueños.

Octubre 12

Akira

(Katsuhiro Ôtomo. Japón, 1988)

Un proyecto militar secreto amenaza Neo-Tokio al convertir a un pandillero motorizado en ultrapsicópata psiónico.

Octubre 19

Blade Runner

(Ridley Scott. EU-Hong Kong, 1982)

Pionera del "subgénero de cine negro futurista" llamado cyberpunk, esta película de culto cuestiona la definición de humanidad en un mundo pervertido por la ingeniería genética.

Octubre 26

La ciudad de los niños perdidos

(Marc Caro & Jean-Pierre Jeunet. Fra-Ale-Esp, 1995)

En una sociedad surrealista, un científico secuestra niños para robarles sus sueños con la esperanza de alargar su vida.

No se los pierdan, los martes de octubre a las 20:00 en nuestra sede habitual, el Foro Hilvana.

¡Abróchense los cinturones!

Fuentes:

[1] http://www.cyberpunkreview.com/wiki/index.php?title=Cyberpunk_Manifesto

[2] http://www.cyberpunkreview.com/what-is-cyberpunk/

El compadre Mendoza

2010-09-28T22:04:00.000-07:00

por Lila Nieto

Una más de las odiseas de este cineclub para conseguir la película (sí, ya nos regañaron por publicar la cartelera sin tener todos los pelos de la burra en la mano), pero esta vez no fue posible conseguir la que teníamos planeada para la noche (Reed, México insurgente, de Paul Leduc, México 1973); además, perdimos al invitado especial junto con ella. Tras ofrecer una disculpa por el desastre, el público eligió ver El compadre Mendoza (México, 1934) para completar, por lo menos, la trilogía de Fernando de Fuentes sobre la revolución mexicana.

Basada en el cuento homónimo de Mauricio Magdaleno, De Fuentes comparte la dirección de esta película con Juan Bustillo Oro, apasionado vasconcelista igual que Magdaleno. Ambos vivieron en carne propia la aguda crisis política que sobrevino tras el asesinato de Álvaro Obregón en 1928, así como la ilusión y el derrumbe del movimiento político de José Vasconcelos. En palabras de Magdaleno: "Lo que empezó siendo pura adhesión intelectual (...) devino fervor y embriaguez (...) y concluyó en mística (...) de ahí que la derrota nos abrumase (...) Ni habíamos perdido ninguna situación política ni menos la probabilidad de un puesto bien remunerado. Era algo peor, algo no computable en ganancias materiales. Nos habían destruido en la médula misma de nuestro ser". [1] Bustillo Oro y Magdaleno, desilusionados de la política, se encontraron de nuevo en el campo del arte, y trabajaron juntos en proyectos de teatro social (Teatro de Ahora), literatura y cine en los años 30.

Aunque El compadre Mendoza no fue censurada como las otras dos partes de la trilogía, "sufrió la incomprensión de los críticos de la época y de la ceguera de las autoridades cinematográficas, quienes la condenaron a un olvido estratégico" [2] que terminó cuando, según el historiador Emilio García Riera, la rescató Georges Sadoul, crítico e historiador francés que visitó México a principios de los años 60. A partir de entonces, el movimiento cineclubista difundió la película y ésta encontró su lugar entre las grandes obras del cine mexicano.

Durante el debate, uno comentó "el conflicto, la razón por la que Rosalío traiciona a su amigo, es débil, no está bien justificada". Alguien más dijo "otra vez me quedo con la sensación de que Fernando de Fuentes no muestra a los héroes de la Revolución, no exalta su figura". Las críticas oscilan entre "El compadre Mendoza no expone villanos, ni héroes; por el contrario, humanos bajo situaciones adversas que deben tomar decisiones vitales" [6] y "En el contexto de una alegoría sobre el asesinato de Emiliano Zapata, asistimos, por un lado, a la destrucción moral de un hombre acomodaticio (...) que sacrifica la amistad en beneficio del interés inmediato." [4] En todo caso, es un hecho que esta película es un tejido complicado que De Fuentes dibuja con sutileza, con mesura, pero sin perder ningún antecedente ni detalle.

Censurada por la derecha, por la izquierda y por enmedio, la saña no puede sino hablar bien de la trilogía de Fernando de Fuentes.

Quedó prometida la proyección especial de Reed, México insurgente (Paul Leduc, México 1973), que estaba planeada para hoy. En cuanto llegue a nuestras manos quedará programada. Esperen pronto esta invitación especial y la cartelera de octubre.

Bienvenidos sus comentarios.

¡Abróchense los cinturones!

Fuentes:

[1] http://www.terra.com.mx/articulo.aspx?articuloid=859958

[2] http://cinemexicano.mty.itesm.mx/peliculas/compadre.html

[3] http://www.letraslibres.com/index.php?art=7897

[4] http://hyperlab.politicas.unam.mx/ccc/proyecciones/Ciclo2003-1/cinta10.htm

[5] http://cinemexicano.mty.itesm.mx/libros/historia_doc.html

[6] http://www.revela.com.mx/post/el-compadre-mendoza.html

MARTES 21: La sombra del caudillo

2010-09-16T19:10:00.000-07:00

MARTES 21 DE SEPTIEMBRE 2010

La sombra del caudillo

(Julio Bracho, México 1960)

Invitado especial: Federico Serrano

Proyección 20:00

Cooperación voluntaria

La historia que cuenta esta película está ubicada después de la Revolución, ya asesinados Madero, Villa, Zapata y Carranza. La novela de Martín Luis Guzmán, publicada en 1929 durante el exilio del autor en Madrid, retrata el período presidencial de Álvaro Obregón (el caudillo), quien impuso como sucesor a Plutarco Elías Calles (Jiménez) después de asesinar a Francisco Serrano (Aguirre, quien al mismo tiempo encarna a Adolfo de la Huerta) en Huitzilac en 1927.

Durante su filmación, la película no sufrió presiones ni contratiempos, e incluso gozó del apoyo gubernamental al permitir que filmaran en la Cámara de Diputados y el Castillo de Chapultepec. Antes de exhibirse en México, se estrenó en el festival de Karlovy Vary, entonces Checoslovaquia, donde ganó un premio especial. Pero por presiones de los altos mandos militares que nunca fueron esclarecidas, la película fue prohibida en México, y no se exhibió sino hasta 30 años después, en 1990, durante el Salinato. El negativo original en 35 mm no fue encontrado, y lo que se exhibió fue una copia en 16 mm muy deteriorada, lo que da a pensar que el original fue destruido. Julio Bracho murió en 1978 sin haber visto nunca el estreno de su película.

Para la ocasión nos acompañará Federico Serrano, actualmente director de difusión del Circo Atayde, pero también crítico de cine, gran conocedor de la historia, y quien ha realizado investigaciones sobre esta película.

No se pierdan la película maldita del cine mexicano y los comentarios de nuestro invitado de la noche. Los esperamos este MARTES 21 DE SEPTIEMBRE.

La sombra del caudillo

(Julio Bracho, México 1960)

Invitado especial: Federico Serrano

Proyección 20:00

Cooperación voluntaria

Foro Hilvana

Colima 378, col. Roma Norte, DF

entre Salamanca y Cozumel

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 14: ¡Vámonos con Pancho Villa!

2010-09-10T18:30:00.000-07:00

MARTES 14 DE SEPTIEMBRE 2010

¡Vámonos con Pancho Villa!

(Fernando de Fuentes, México 1936)

Proyección 20:00

Cooperación voluntaria

Fernando de Fuentes filmó esta película en 1935, y el rodaje fue bastante desastroso debido a problemas financieros y también por una enfermedad que sufrió, lo que retrasó la filmación por meses. Finalmente, con apoyo gubernamental a través de la productora Clasa Films, la película se terminó.

Se estrenó al año siguiente, poco después de Allá en el rancho grande, que tuvo un éxito inusitado en la taquilla e incluso en el extranjero, lo cual también ayudó a eclipsar el éxito de Vámonos con Pancho Villa, que sólo duró una semana en cartelera.

Durante los años sesenta, el movimiento cineclubista rescató este filme y El compadre Mendoza, dándoles por fin su lugar en la cinematografía nacional.

Escrita por Xavier Villaurrutia, este poderoso drama sobre la Revolución "presenta a un héroe con matices humanos" pero fue censurada por el gobierno cardenista, forzada a cambiar el final. Sin embargo, esto no se supo hasta 1973, cuando la Filmoteca de la UNAM encontró una deteriorada copia de la película en 16mm con un final hasta entonces desconocido.

No se pierdan esta joya del cine mexicano. Los esperamos este MARTES 14 DE SEPTIEMBRE 2010.

¡Vámonos con Pancho Villa!

(Fernando de Fuentes, México 1936)

Proyección 20:00

Cooperación voluntaria

Foro Hilvana

Colima 378, Roma Norte, DF

entre Salamanca y Cozumel

¡Abróchense los cinturones!

El prisionero 13

2010-09-08T12:01:00.000-07:00

por Lila Nieto

Arcaica y actual, esta genial película tiene aún recursos narrativos típicos del cine mudo -como por ejemplo el reloj de Carrasco con la imagen de su hijo niño o la elipsis del reloj para marcar el transcurso de las horas-, pero esto se comprende por su edad; El prisionero 13 (1933) es más bien un testimonio del paso al cine sonoro en México, y evidencia de la gran habilidad narradora que tenía Fernando de Fuentes. "No pierde tiempo en lo que no quiere contar a detalle", decía alguien del público, "lo hace ágilmente". Y también, se toma el tiempo de construir largas escenas en momentos clave de la historia. Por ejemplo, el parsimonioso brindis con el que Carrasco cierra un trato que le costará la vida de su hijo, o la solidaridad entre los condenados antes de salir al paredón -pa' morir somos rebuenos, pensaba yo, la humanidad sólo se muestra en la desgracia compartida. Notamos que De Fuentes crea emociones a partir de situaciones, en vez de recargarse en la actuación, aunque esto habla más bien del guión de Miguel Ruiz. Un ejemplo de esto es cuando los celadores muestran su piedad al permitir que dos hermanos sean fusilados hombro con hombro: "¡Qué fuerte lo de los hermanos!" exclamó una, aunque la toma es bastante sutil y pasajera. Un error que notó otro es que los soldados aparecen con mochila de campaña "hasta para ir al baño", y que algunos automóviles no son de 1913.

En una escena, un cuadro de Victoriano Huerta en la oficina de Carrasco nos sitúa primero que nada en el contexto político que retrata el filme: "El chacal mató a todo el mundo; a Belisario Domínguez, el único que levantó la voz, le cortó la lengua y lo mató esa misma noche", comentó otro. Pero además e irónicamente, "la censura cinematográfica nació oficialmente en 1913 con el primer reglamento de Cinematógrafos que emitió el general golpista Victoriano Huerta", el cual "facultaba al gobernador del Distrito Federal para suspender la exhibición de cintas que contuvieran ataques a las autoridades, a terceros, a la moral, las buenas costumbres, la paz y al orden público. Además, se prohibían las vistas donde se cometieran delitos y los culpables no recibieran castigo. ¿Cuánto hemos avanzado hasta la fecha?", se pregunta Víctor Ugalde en su artículo Censura cinematográfica: la punta del iceberg. A esta película le tuvieron que hacer un nuevo final que justificaba la historia como una pesadilla. Lo bueno de ello es que el final impuesto es tan ridículo que cualquiera puede darse cuenta de que es un parche incrustado; además, parchar el detalle del hijo fusilado para poner en su lugar a un general en los albores del delirium tremens no sólo es divertidísimo por absurdo, sino porque dista mucho de ser moralizador.

"De Fuentes cuenta una historia paralela utilizando símbolos", apuntó uno. En efecto, toda la película es un símbolo, y nos podríamos extender en este análisis, pero mencionaré sólo dos ejemplos: Los presos que se ayudan a morir con la frente en alto, quizás haciendo alusión no sólo a la dignidad humana o a la firmeza de sus creencias políticas, sino tal vez a la entereza con que murieron muchos revolucionarios (me acordaba yo del Intendente Bassó mirando por última vez la Osa Mayor). El prisionero liberado en secreto encomienda su fe en la salvación a un anillo con una calavera (¿la pre Santa Muerte?), igual que el prisionero suicidado, que muere agazapado debajo de una imagen idéntica pintada sobre la pared.

¿Datos curiosos? También los hay. El cuartel es el Palacio de Lecumberri. Matilde Landeta inició su carrera en el cine haciendo de anotadora (ahora script) en esta película y en El compadre Mendoza. Roberto Gavaldón y Raúl de Anda aparecen como prisioneros.

Fernando de Fuentes

De Fuentes es mundialmente famoso por ser considerado el pionero de la industria cinematográfica mexicana (aunque acá ya nadie se acuerde) tras el inusitado éxito en taquilla de Allá en el rancho grande (1936), una película que rebasó las fronteras de la taquilla mexicana para triunfar en el extranjero y con la cual De Fuentes "inventó" el género de la comedia mexicana o comedia ranchera, además de descubrir con ella al joven Gabriel Figueroa. Fernando de Fuentes es el primer director mexicano que comprendió la naturaleza del cine sonoro y utilizó exitosamente todos los recursos de este medio. Visionario, dejó a su paso innovaciones que impulsaron la naciente industria cinematográfica mexicana: filmó la primera a color (Así se quiere en Jalisco, 1942) y realizó la primera coproducción oficial de México con España (Jalisco canta en Sevilla, 1948). Con El fantasma del convento (1934), logró adaptar el género de horror al estilo mexicano, incorporando leyendas y fantasmas. Por si fuera poco, también inventó los subtítulos ("títulos superpuestos"), con lo cual salvó no sólo a las cintas mexicanas de los estragos del doblaje, sino a las películas de todo el mundo.

Autor de varios clásicos del cine mexicano, incluyendo su trilogía sobre la Revolución, Fernando de Fuentes es un director incomprendido porque, como la segunda parte de su carrera consiste de una larga lista de churros taquilleros que lo hicieron rico, como se alejó de su vena de autor e hizo cine de maquila (y llenó de lana la industria cinematográfica nacional), habrá quien lo vea como un traidor. Pero, si consideramos la fuerte censura a la que fue sometido, no sólo de manera directa sino también a través de las mañas que impidieron su correcta exhibición y las condenaron al fracaso comercial, podremos tal vez entender como resultado de la censura el hecho de que se haya convertido en director de churros comerciales, renunciando al reconocimiento de su gran talento artístico. Una vez más surge la pregunta, ¿qué tanto hemos avanzado hasta la fecha?

Filmografía completa

1931 Santa
1932 El anónimo

1933 El tigre de Yautepec
1933 El prisionero trece
1933 El compadre Mendoza
1933 La calandria
1934 El fantasma del convento
1934 Cruz diablo
1934 La familia Dresel
1936 Vámonos con Pancho Villa
1936 Las mujeres mandan
1936 Allá en el Rancho Grande

1937 Bajo el cielo de México
1938 La casa del ogro
1938 La Sandunga
1939 Papacito lindo
1940 Allá en el trópico
1940 El jefe máximo
1941 La gallina clueca
1941 Creo en Dios
1942 Así se quiere en Jalisco
1943 Doña Bárbara
1944 La mujer sin alma
1944 El rey se divierte
1945 La selva de fuego

1945 Hasta que perdió Jalisco
1946 Esperanza
1946 La devoradora
1949 Jalisco canta en Sevilla
1950 Por la puerta falsa
1950 Hipólito el de Santa
1951 Crimen y castigo
1952 Los hijos de María Morales
1953 Tres citas con el destino
1953 Canción de cuna

Fuentes:

http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/fernando_fuentes.html

http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/CineClub/fernandof.htm

http://www.festivalcineguadalajara.com/ficg25/index.php?option=com_content&view=article&id=404:el-prisionero-trece&catid=74:funciones-especiales&lang=es&Itemid=98

http://www.palabrasmalditas.net/archivo/content/view/123/11/

http://www.mexicanadecomunicacion.com.mx/fmb/foromex/censura.htm

http://www.suite101.net/content/la-censura-en-el-cine-mexicano-a21455

SEPTIEMBRE: Cine Prohibido

2010-09-04T23:03:00.000-07:00

Amigos,

Como bien dijo el maestro Ugalde, el único presidente que no censuró nada fue Lazcuráin. Nuestra cinematografía, sobre todo la que toca la historia de nuestro país, ha sido estrictamente vigilada. Podríamos mencionar una infinidad de filmes que fueron tijereteados por esta y muchas otras razones. Pero para esta ocasión elegimos cuatro películas mexicanas sobre la Revolución que no se salvaron de este destino.

El prisionero 13 (Fernando de Fuentes, 1933), escrita por Miguel Ruiz -un escritor casi desconocido-, cuenta la historia del general Carrasco, que ordena el fusilamiento de su propio hijo, preso por manejos corruptos del propio militar. La película tuvo que adoptar un final que justifica la historia como producto de una pesadilla alcohólica.

¡Vámonos con Pancho Villa! (Fernando de Fuentes, 1936), escrita por Xavier Villaurrutia, presenta a un héroe con matices humanos pero fue censurada por el gobierno cardenista. En el original, las huestes de Villa asesinan a la familia de Tiburcio para que pudiera reincorporarse a la lucha revolucionaria; en la que se exhibió Villa huye de la peste, Tiburcio se descepciona y regresa a su pueblo a vivir con su familia.

De Fuentes dominaba las técnicas de filmación, y además demostró una sobriedad increíble para la época en el tratamiento del tema de la Revolución. De hecho, los filmes de Fernando de Fuentes son prácticamente los únicos realizados sobre ese tema que no exaltan la gesta revolucionaria, y que incluso llegan a criticarla.

En los años sesenta, se filmó La sombra del caudillo, adaptación del libro de Martín Luis Guzmán con el visto bueno presidencial y una exitosa presentación en el Festival de Karlovy Vary, donde obtuvo dos premios. En manos de Julio Bracho, la crítica -implícita en el libro- del caudillismo postrevolucionario se convirtió en un serio cuestionamiento al autoritarismo del sistema político mexicano. En la secuencia final, Bracho plasmó una interpretación de la matanza de Huitzilac, Morelos. Pero, a iniciativa de las altas esferas militares, la cinta fue prohibida hasta convertirse en la obra maldita del cine mexicano, el paradigma de la censura cinematográfica en tiempos priístas, y la censura ejercita contra ella no sería levantada sino hasta 30 años después, cuando le fue otorgado su Ariel de consolación en 1991.

En la década de los setenta se estrenó la ópera prima de Paul Leduc, Reed, México insurgente (1972) un filme que, gracias a las luchas contra la censura de otras películas durante los años 60, encuentra una mayor apertura. La película aprovecha los escenarios naturales mexicanos y retrata de manera sensible y desmitificadora la historia de México a través de la adaptación del libro de John Reed; además, es Heraclio Zepeda quien hace de Pancho Villa. Situada en 1913, la película cuenta la historia del periodista estadounidense John Reed cuando ingresa en territorio mexicano para testimoniar la Revolución, y termina involucrándose activamente en la guerrilla.

Los esperamos el MARTES 7 DE SEPTIEMBRE con la proyección de

PRISIONERO 13

de Fernando de Fuentes (México, 1933)

FORO HILVANA

Colima 378, col. Roma Norte, DF.

Proyección: 20:00

¡Abróchense los cinturones!

Fuentes:

http://cinemexicano.mty.itesm.mx/clasicos.html

http://www.palabrasmalditas.net/archivo/content/view/123/11/

http://www.cineforever.com/2010/07/03/la-historia-de-mexico-desde-la-perspectiva-de-nuestro-cine/

http://www.correcamara.com.mx/index.php?mod=historia_detalle&id=104

http://encontrarte.aporrea.org/media/40/paul.pdf

http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/CineClub/loscambios.htm

http://feria.mineria.unam.mx/index.php?opcion=3&opcionprensaydifusion=123

Más sobre la mesa redonda en la Cineteca Nacional

2010-08-31T10:55:00.000-07:00

Especialistas internacionales realizaron mesa redonda en la Cineteca Nacional

La producción de cintas nacionales cayó casi a la mitad por el modelo neoliberal: Víctor Ugalde

Tania Molina Ramírez

Periódico La Jornada
Lunes 30 de agosto de 2010, p. a16

Un panorama poco alentador para el cine nacional ofrecieron especialistas en cine durante una mesa redonda llevada a cabo en la Cineteca Nacional, este sábado.

El director, guionista e investigador Víctor Ugalde dijo que a raíz del cambio de modelo, de popular a neoliberal, ocurrido en 1992, se redujo el número de espectadores de cine mexicano a 5 o 6 por ciento en los pasados tres años. Si bien la cifra de dinero invertido en producción nacional parece enorme, en realidad los beneficiarios últimos son los distribuidores y exhibidores, que se apropian de la mayor parte de las ganancias. Denunció que el cine de otros países que no sean Estados Unidos también ha sido afectado.

Luego de la conferencia Ugalde, presidente de la Sociedad de Directores Realizadores de Obras Audiovisuales, habló con La Jornada acerca del argumento del director general de Cinépolis de que es matemáticamente imposible mantener dos semanas todas las cintas mexicanas por la cantidad de estrenos semanales. Se podrían dejar en pantalla si se reduce el número de copias. Ahora hay una presencia dominante de producto extranjero que viola las leyes de competencia. Seis estrenos saturan si sacas 300 copias de cada una o mil de otra. Siguió: Hasta podrían estrenar más y que sea el público el que decida y no el impacto del estreno en 900 salas. Es una condición de inequidad. No puedes sacar una película con tres copias a competir con 900.

Análisis comparativo

Armida de la Garza, de la Universidad de Nottingham, comparó políticas cinematográficas de varios países. Habló de las experiencias exitosas de Dinamarca, Corea e Irlanda. Dijo que comparten el desarrollo de públicos, la creación de vínculos con la televisión, la identificación de mercados afines en el extranjero y el cultivo declusters industriales.

De la Garza dijo que Estados Unidos tiene poco peso en Asia. Es optimista y cree que vivimos un momento de cambio, en el cual hay una oportunidad de reposicionamiento del cine nacional en el interior y el extranjero.

La investigadora Misha Mclaird habló sobre el TLCAN y la relación México-Canadá. Propuso que se inicie una colaboración entre investigadores y cineastas de ambos países, y comparar las dos historias para ver qué hay en común.

Por su parte, el investigador Israel Tonatiuh Lay hizo una revisión histórica de la legislación cinematográfica, desde el reglamento de 1913 hasta la reforma a la Ley Federal de Cinematografía, en 1998.

Como parte de esa reforma, se aprobó que 10 por ciento del tiempo de pantalla se destine al cine mexicano. No se aplica porque nadie lo solicita, explicó Víctor Ugalde, tras la mesa redonda. Los cineastas nunca han hecho la solicitud a la dirección general de RTC... El reglamento dice que para exigirlo tienes que tener copias suficientes y publicidad.

Por otro lado, Germán Gil Curiel, de la Universidad de Nottingham, habló sobre la industria fílmica china. Su ley de coproducciones se reformó para abrir las puertas, pero en beneficio del cine chino.

Víctor Ugalde dijo que antes de la reforma 1992 había un modelo que impulsaba la participación estatal en todas las etapas de la cadena productiva y nos permitió defendernos de la presencia dominante de los estadunidenses. También mencionó algunos de los numerosos defectos de ese modelo, entre ellos el grupo plutocrático que monopolizaba la expresión.

Bajo el modelo neoliberal, durante los primeros 10 años del siglo XXI, se filmaron en promedio 44 largometrajes. 68.9 por ciento recibió apoyo gubernamental. A pesar de haber una mayor cantidad de salas por complejo, la oferta se redujo a 252 películas por año, de las cuales sólo 25 fueron mexicanas (19.96 por ciento).

El número de copias se incrementó. Para cine mexicano el promedio es de 103, cuatro veces más que los éxitos de los años 80. En cambio, las estadunidenses incrementaron 10 veces el número de copias. Por eso proporcionan 82.25 por ciento de la oferta de las copias al año. Le dejan 9.15 por ciento al cine mexicano y 8.6 al cine mundial (que estrena 26.24 por ciento de los títulos y sólo obtiene 4 por ciento de los ingresos).

Ugalde denunció que el modelo neoliberal es aplicado (por las empresas estadunidenses) en el mundo occidental, pero no en el interior de ese país. Ahí, la industria sigue siendo de corte popular. Las empresas estadunidenses recuperan en su mercado 32 por ciento; 68 por ciento proviene de Japón, Francia, Reino Unido, Alemania, España, México y Brasil.

Por otro lado, dijo que en México se requiere trabajar entre seis y 10 horas con un salario mínimo para comprar un boleto de cine, mientras en Estados Unidos, se necesitan entre una y dos horas.

Defectos y virtudes

En resumen, si bien ambos modelos tienen defectos y virtudes, el neoliberal propició diversidad temática y la producción de jóvenes cineastas; se logró una gran comunicación con los festivales internacionales y hay más calidad y democratización en el acceso al dinero público. Pero propició la caída de la producción fílmica mexicana en más de 47 por ciento. Pasamos de 82 a 44 largometrajes. Se redujo el número de cintas mexicanas exhibidas de 71 a 25. Disminuyó el número de espectadores de cine mexicano de 170 millones al año a sólo 10.9 millones.

Ugalde anunció que a fines de septiembre u octubre se plantearán propuestas de reforma a la ley cinematográfica.

Fuente: http://www.jornada.unam.mx/2010/08/30/index.php?section=espectaculos&article=a16n1esp

Se buscan prófugos

2010-08-24T11:06:00.000-07:00

Queridos cinéfilos,

Las potencialidades del Cineclub Jaime Casillas podrán explotarse mejor con la ayuda de dos personas que quieran integrarse a la familia. Por favor, la preciosa foto de Jim Morrison no quiere decir que sólo busquemos a dos muchachos junto a quienes sería imposible concentrarnos; nuestra invitación incluye a todas las demás criaturas amantes del cine.

Como sabemos que habrá mucha gente deseosa de participar, tendremos que elegir, por lo que aquí abajo mencionamos algunas características del buen cineclubista:

amor por el cine
tiempo disponible
sentido de compromiso

Si quieres participar, cuéntanos tus razones en un correo a: cineclub.jaimecasillas@gmail.com

¡Abróchense los cinturones!

Políticas cinematográficas en el contexto trasnacional: nuevos retos

2010-08-24T08:14:00.000-07:00

Estimados socios:

Con el propósito de irnos informando sobre la situación que guardan las industrias cinematográficas de otros países, y también para contar con elementos que nos permitan analizar las políticas públicas cinematográficas que han utilizado otras naciones para desarrollar su cine, o en su caso, para enterrarlo.

La Universidad de Nottingham Ningbo, la Sociedad Mexicana de Directores y la Cineteca Nacional con el apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía, tienen el placer de invitarlos a la

Conferencia y mesa redonda:

Políticas cinematográficas en el contexto transnacional: nuevos retos

Que se celebrará en las instalaciones de laCineteca, ubicadas en Avenida México-Coyoacán No. 389, Col. Xoco, MéxicoD.F. el sábado 28 de Agosto de 2010 a partir de las 11:00 A.M.

El contexto transnacional actual presenta nuevos retos para las políticas culturales, incluyendo las cinematográficas de los países que quieren producir su imaginario audiovisual,que son la mayor parte de los existentes en el orbe.

Esto se ha facilitado gracias a las nuevas tecnologías, pero a la vez se ha dificultado la circulación de estas obras debido sobre todo a la creciente privatización de las industrias culturales. ¿Es bueno? ¿ Es malo?

¿Cuál es su situación actual y cuál es su panorama a corto y mediano plazo? ¿Qué hacer para crecer? Estas y otras preguntas serán analizadas por destacadas personalidades.

Conferencia magistral:

El tema olvidado en las políticas culturales: la distribución fílmica

Dr. Toby Miller, Universidad de California Riverside

La conferencia abordará la situación de las cinematografías de América Latina en los Estados Unidos desde el 2001 hasta el 2009. Esta investigación es resultado de un trabajo realizado en colaboración con el Observatorio del Cine y el Audiovisual Latinoamericano.

En el caso de México, hay que recordar que EEUU llegaron a ser el principal mercado desde los 60s hasta los 90s. Los ingresos que reportaban año con año, eran similares a los que producía nuestro cine en la República Mexicana. Sin embargo, a partir del TLCAN, el mercadodesapareció y la balanza de pagos es sumamente deficitaria. El potencial de más de 30 millones de hispanoparlantes se ha perdido. ¿Por qué México que ha recuperado en los últimos años su nivel de producción, no ha logrado introducir su cinematografía como en épocas anteriores? ¿Cómo hacer para recuperarlo?

13:00 horas, Mesa redonda:

Políticas públicas cinematográficas y sus resultados

Una Política cinematográfica para el ‘capitalismo flexible’: un estudio comparativo. Dra. Armida de la Garza. (Dinamarca y Koreacomo modelo de éxito vs Bulgaria y Taiwán como ejemplo de fracaso).

Hacia un enfoque trilateral para la producción cinematográfica en Norteamérica: México y Canadá desde el TLC. Misha Mclaird.

Los proyectos políticos y culturales en las reformas legislativas de la Ley de cine del 92 y del 98. Israel Tonatiuh Lay.

El caso de México: el modelo popular vs modelo neoliberal.Víctor Ugalde.

La política cinematográfica en el aula: experiencias en una universidad 'global' Germán Gil Curiel

Paula Astorga, Moderadora.

La entrada es libre

Toby Miller

Toby Miller es un académico Británico-Australiano-Norteamericano. Es autor y editor de más de 30 libros, ha publicado ensayos en más de 100 revistas y colecciones editadas, y es comentarista invitado frecuente en programas de radio y televisión.

Sus áreas de investigación y docencia abarcan políticas culturales, medios de comunicación, deportes, el movimiento laboral, estudios de género, raza y ciudadanía, así como el éxito de Hollywood en el extranjero y los efectos adversos de los ‘desperdicios electrónicos’. El trabajo de Miller ha sido traducido al chino, japonés, sueco, alemán, español y portugués.

Ha sido Profesor Visitante en Sarai, en el Centro para Estudios de las Sociedades en Desarrollo en la India, Becker Lecturer en la Universidad de Iowa, Investigador Visitante en Queensland Australia, Profesor Honorario en el Centro de Estudios Culturales Críticos en la Universidad de Queensland, CanWestVisitingFellow en el Alberta Global Forum en Canadá, y colaborador internacional en el Centro de Estudios Culturales en Australia. Entre sus libros, SportSex fue elegido título sobresaliente en el año 2002 y A Companionto Film Theory en el 2004.

Nacido en el Reino Unido y criado en Inglaterra, la India y Australia, Miller obtuvo su licenciatura en historia y ciencias políticas en la Universidad Nacional de Australia en 1980 y el doctorado en filosofía y estudios de la comunicación en la Universidad de Murdoch en 1991. Ha impartido cátedras en Murdoch, en la Universidad de Griffith y la Universidad de New South Wales y fue Profesor en la Universidad de Nueva York de 1993 a 2004, año en que se incorporó a la Universidad de California, Riverside. Miller es ahora Director de un nuevo Departamento de Medios y Estudios Culturales y vive cerca del mar en Los Ángeles.

Armida de la Garza es Directora Adjunta del Departamento de Comunicación en la Universiad de Nottingham, actualmente en el campus de China, donde imparte desde el 2004 las materias "Culturas y Narrativas Cinematográficas" y "Cine Latinoamericano". Su libro "Mexicoon Film, NationalIdentity and International Relations" publicado por Arena Books en 2006 fue utilizado como texto en la Universidad estatal de San Diego, y desde entonces ha publicado diversos artículos sobre realismo, falso documental y análisis comparativos entre el cine chino y el mexicano en antologías publicadas por PalgraveMacmillan.

Germán Gil-Curiel imparte diversos cursos en la Facultad de International Communication en la Universidad de Nottingham, Ningbo, en la República Popular de China. Su trabajo de investigación comprende literatura de lo sobrenatural, así como las intersecciones entre literatura, cine, pintura y música. Ha publicado el ensayotitulado: ‘Music, Literature and Cinema: A Comparative Approach to the Aesthetics of Death in Tous les matins du monde in P. Gladston (Ed.), China and Other Spaces (pp. 88-98), Nottingham: CCCP. Asimismo, es miembro del proyecto de investigación ‘TheSilk Road’ que se lleva a cabo en la Universidad de Nottingham UK, el cual reúne, entre otros trabajos, análisis de relatos literarios relacionados con esa famosa ruta comercial.

VÍCTOR UGALDE, estudio dirección y guión en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (1980-1984). Guionista, director, e investigador cinematográfico. Debuta con el guión Intriga contra México/¿Nos traicionará el presidente? (1987/35 mm.) nominada para el Ariel en la categoría de Adaptación Cinematográfica. En 1994 es nominado nuevamente al Ariel por el guión y dirección del cortometraje de ficción Un día sin auto (35 mm). Autor de más de 20 guiones de largometraje de los cuales se han filmado diez películas como El extensionista (89/35 mm.) ¿Me permites matarte? (92/35 mm.) y Hoy no circula (93/35 mm.) entre otras. Autor de diversos ensayos que ha publicado colectivamente en: Anuario de la exhibición en México (FILMOTECA UNAM/84), con el ensayo sobre La exhibición en México; Bye, bye, Lumiere (UdeG/94), con el ensayo ¿Yankees, Welcome? y su más reciente publicación Industrias Culturales y TLC (RMALC/2000) con el ensayo ¿El TLC, la otra conquista? Colaborador de las revistas Cámara de CANACINE, primera época, Estudios cinematográficos del CUEC, Dicine, El Universo del Búho, Etcétera y Cinedirectores, entre otras. Actualmente publica una columna en LEM y diversos artículos en las revistas Estudios Cinematográficos del CUEC y Toma. Es presidente de la Sociedad de Directores Realizadores de Obras Audiovisuales.

¿Quién quiere ver cine mexicano?

2010-08-20T01:44:00.000-07:00

¡Casi todos los mexicanos!

(Diálogo público con Leonardo García Tsao)

Víctor Ugalde*

A la pregunta lanzada en estas páginas por Leonardo García Tsao el pasado 6 de agosto sobre ¿quién quiere ver cine mexicano?, la respuesta rápida y sencilla es: casi todos los mexicanos. La mayoría quiere verlo pero no puede hacerlo en las salas cinematográficas, por lo que debe conformarse, si acaso, con verlo en dvd pirata, o esperar años hasta que el duopolio de la televisión quiera transmitirlo por señal abierta.

¿Por qué no podemos verlo en las salas del país?

1.- El alto costo del boleto ha expulsado de las salas de cine a más de 92 por ciento de los mexicanos sin poder adquisitivo. Es decir, por falta de dinero y no de ganas. A decir de algunos economistas, actualmente sólo acude a las salas 8 por ciento de la población nacional. La compra de boletos en 2009 fue de 178.6 millones, lo que prorrateado equivalió a que cada uno de nosotros asistió 1.7 veces al año. Cifra ínfima comparada con las siete veces que asistíamos en promedio hace 25 años, cuando los precios de entrada eran populares, es decir, cuando un trabajador de salario mínimo podía comprar con un día de trabajo más de ocho boletos y así poder ir al cine con toda su familia. En ese entonces sumábamos 70 millones de mexicanos y se vendían más de 480 millones de boletos.

¿Es justo que los exhibidores obtengan ingresos por 4 mil 111.09 millones de pesos sólo por ingresos en taquilla, más otro tanto por ventas, lo que supera 8 mil millones de pesos, debido a que sus actos son concertados en contra del libre juego de la oferta y la demanda. Precio alto de taquilla; excesivo en palomitas, muy grande en los refrescos, y el espectador no tiene opción, porque las compañías exhibidoras restringen y condicionan la oferta. Uno se pregunta, ¿dónde está la Comisión Federal de Competencia?

Actualmente no hay elasticidad en el precio. El costo más bajo en día de alta asistencia es de 56 pesos y algunas copias sólo las exhiben en salas VIP o 3D, por lo que asistir a una salita de cine nos cuesta entre 85 o 105 pesos por persona. Los precios han aumentado cada año por encima de la inflación, debido a prácticas concertadas entre exhibidores y distribuidores.

Desde hace 25 años el gobierno asumió el modelo neoliberal impuesto por el Fondo Monetario Internacional y el Banco Mundial. Ahora, a los trabajadores mexicanos de salario mínimo les cuesta más de ocho horas adquirir un boleto para entrar al cine, mientras en Estados Unidos a un trabajador en condiciones similares le cuesta una hora y media de su jornada comprarlo.

En México, los que asisten al cine son personas con ingresos medios y altos y a ellos no les gusta el cine mexicano, por su educación filoestadunidense y sus prejuicios de clase. Por esto son espectadores cautivos y pasivos del cine de Estados Unidos.

2.- Los mexicanos que podemos y queremos ver cine nacional no podemos hacerlo, ya que no hay una oferta amplia para escoger, como acertadamente indica García Tsao. En este momento no hay tiempo de pantalla para nuestro cine. Es verano y ellos se llevan las ganancias. En ocasiones como ahora, no encontramos películas mexicanas en buenas salas, ni en horarios cómodos, ni en lugares cercanos a nuestro hogar y así un largo etcétera.

3.- En las malas fechas, cuando hay otras distracciones o estamos muy gastados; cuando las trasnacionales se niegan a soltar películas a los exhibidores, entonces sí hay cine mexicano en cartelera. Entonces se estrenan varias cintas del país que se canibalizan entre sí. En 2009, en 14 ocasiones se lanzaron dos o más películas nacionales el mismo día. Siendo el colmo el 17 de abril, cuando se estrenaron cuatro y el 19 de junio, tres.

4.- Los datos que anota García Tsao son dramáticos, pero se quedaron cortos. En los pasados tres años se han estrenado 146 películas mexicanas y se han producido 206. Sólo en 1999, según datos del Instituto Mexicano de Cinematografía, se estrenaron 54 largometrajes y se produjeron 66. Las 42 que consigna García Tsao en realidad son las que recibieron financiamiento del gobierno para su producción, pero se habían estrenado 12 más subvencionadas sólo por la iniciativa privada. Sesenta largometrajes sin estrenar se dice fácil, pero es la producción de un año, y no encontrar fecha de estreno se convierte en una pesada carga para quien pone dinero en el cine, por el costo financiero que hace irrecuperable lo invertido en el filme.

5.-Público para nuestro cine hay, pero no tiene poder adquisitivo. Los pocos que pueden asistir a las salas se dividen en dos tipos:

Los que asisten a evadirse y divertirse, que son los más. Son los que no quieren ver el México pobre y sufrido en la pantalla. Gente que refleja en su formación nuestro sistema educativo nacional. Estos son los que asistieron en 2009 a ver cintas como Otra película de huevos y un pollo, El estudiante, Recién cazado, Amar a morir, Paradas continuas, El agente 00P2, Todo incluido, Nikté, El libro de piedra y El traspatio,10 filmes que tuvieron 8.34 millones de espectadores en total y que representaron 79.9 por ciento de la asistencia nacional ese año. El promedio de 834 mil espectadores por título es similar al que tienen los filmes estadunidenses. Lo que preocupa es que otras 44 películas mexicanas sólo tuvieron 20 por ciento de espectadores, con un promedio de 47 mil 725 personas por título.

El otro grupo de espectadores tiene mayor nivel de educación y exigencias estéticas más altas, es el que García Tsao llama de festivales, el que ve en el cine un objeto estético, un espejo de la realidad y, básicamente, al cine como arte. Las cintas mencionadas por García Tsao tuvieron 133 mil 957 espectadores. Lo que equivale a 16 mil 744 personas por título. Parece poco, pero este tipo de cintas son las que viajan por el mundo, las que tienen reconocimiento en los festivales internacionales, las que mantienen viva la aportación mexicana al imaginario del audiovisual mundial. Son necesarias y desgraciadamente son las más castigadas por la exhibición. Cuando mucho se proyectan en 10 estados. De ahí que casi nadie las conoce.

Lo más dramático es que sólo 10.4 millones de personas vieron nuestro cine en 2009. Si sumamos los espectadores de los pasados tres años, descubriríamos que sólo 37 millones tuvieron acceso a la propuesta estética de directores y escritores mexicanos.

Es tiempo de abandonar las políticas excluyentes, la marginación de los más. Es tiempo de recuperar la economía nacional en nuestro beneficio, no de los grandes consorcios multinacionales. Es tiempo de reactivar el mercado interno y de dar cumplimiento al artículo cuarto de la Constitución, que se refiere al acceso a la cultura.

Es tiempo de crear circuitos de exhibición a precios populares, de exhibir películas impulsadas con dinero público, con nuevos formatos para alcanzar grandes públicos.

Es tiempo de cambiar el modelo económico y cultural, para poder contestarle a Leonardo García Tsao que todos queremos ver cine mexicano y, además, ahora sí podemos.

* Escritor, director e investigador cinematográfico

Fuente: http://www.jornada.unam.mx/2010/08/14/index.php?section=opinion&article=a09a1esp

En agosto: de vacaciones

2010-07-29T18:42:00.000-07:00

Fieles cinéfilos,

En agosto el Cineclub Jaime Casillas estará cerrado por vacaciones. Pero reiniciaremos actividades en septiembre con un ciclo que responde a los festejos del restregado bicentenario de nuestra historia, un ciclo compuesto por cuatro películas mexicanas que estuvieron vetadas en su tiempo:

Cine Prohibido

Esperen próximamente la cartelera con invitados confirmados y fechas definitivas.

Los esperamos en el Foro Hilvana los martes a partir de septiembre a las 20:00.

¡Hasta pronto!

2001: Odisea espacial

2010-07-29T16:16:00.001-07:00

por Lila Nieto

"Antes de que cualquiera la hubiera visto, ya la había visto". Así comenzó Alberto Chimal su comentario de 2001:Odisea espacial (Ing-EU, 1968), de Stanley Kubrick, la cual eligió para cerrar el ciclo Poesía en Imágenes que presentamos los martes de julio en el cineclub. "Todo lo que es el cine de ciencia ficción -Star Wars, Alien, Matrix- está contenido en ella", continuó Chimal dejando ver debajo de su gorro el parche que cubría su descalabro de la tarde. Kubrick logró lo sublime con esta obra, "no ha sido superada por ninguna película". Las maquetas, los complicados sets, lo último de la investigación científica de la época. En ese momento recordamos Solaris, de Tarkovski, un poco posterior, otra película de ciencia ficción que toca lo sublime, lo trascendental.

Nuestro invitado aprovechó la ocasión para recomendarnos un ensayo: Sobre lo sublime (1795), del dramaturgo, poeta, historiador y filósofo alemán Friedrich Schiller. En este ensayo Schiller habla de la super-razón, es decir, "la superación de la barrera racional", la idea romántica de que sólo podemos contemplar "lo humano a través de aquello que lo sobrepasa, alcanzar la verdad a través de la belleza". Kubrick explora "lo más allá de lo humano" en su Odisea, construida por supuesto a partir de la Odisea de Homero.

Stanley Kubrick se formó como fotógrafo. Desde muy joven comenzó a trabajar como periodista gráfico en la revista inglesa Look, y como cineasta era muy cuidadoso de la fotografía, un "estilista visual" que construye "imágenes de extrema laboriosidad", sigue Chimal, pero además "exploró los géneros cinematográficos de su tiempo, tiene dos de guerra (Paths of Glory y Full Metal Jacket), dos de época (Barry Lyndon y Espartaco), tres de ciencia ficción (Naranja mecánica, Dr. Strangelove y la odisea en cuestión), una de terror (El resplandor) y un thriller (Ojos bien cerrados)". En fin, se podrían clasificar de muchas formas, pero lo cierto es que Stanley Kubrick fue visionario y perfeccionista. Es bien sabido que mandó hacer lentes extra sensibles para filmar Barry Lyndon exclusivamente con fuentes naturales de luz. En la Odisea, "construyó un set circular giratorio (estilo rueda de hámster) cuyo pasillo central se abría cuando pasaba la cámara y se cerraba después" para que caminara el actor ante ella sobre el piso blanco.

En la función pasada, José Luis Gutiérrez decía que actualmente el cine de autor tiende a hacer "poesía visual, eliminando los diálogos". Kubrick es un buen ejemplo de esto. "Dos mil uno fue un parteaguas en la carrera de Kubrick, evidentemente la cumbre", continúa Alberto . "Cada vez le puso más énfasis a lo visual como experiencia. Más del 70 porciento de esta película carece de diálogos, y en las pocas escenas en las que hablan las palabras comunican muy poco, dice más lo que no se dice".

Una línea que cruza todo el cine de Kubrick es el uso de "las herramientas para la violencia". Está para empezar la escena en la que el homínido descubre que puede utilizar un hueso como herramienta y lo primero que hace es destrozar un esqueleto, "un cráneo con la columna vertebral de algún animal". Cuando se estrenó esta película fue proyectada en una pantalla de super Panavision, que abarcaba los 180° de campo visual; "había cosas que debías ver de reojo". En ese formato quizás podríamos haber notado, en "la elipsis más larga de la historia del cine" cuando el hueso que gira en el aire se convierte en una nave espacial, que la nave en realidad es una "bomba orbital", señala Alberto, "con la bandera de Estados Unidos", una herramienta para la violencia igual que el hueso, sólo un poco más sofisticada.

Más aún, Kubrick estudia "no sólo la incomunicación y la deshumanización, sino la crisis entre los seres humanos y la tecnología", o sea, la condición trágica del hombre. "Y con tecnología me refiero a todo lo que el hombre crea, incluso la escritura", remata Alberto. Nuestras herramientas que nos esclavizan, el hombre llevado a un límite en que se vuelve esclavo de sus creaciones y debe recurrir nuevamente a sus propias capacidades racionales e intuitivas para sobrevivir.

La tesis de la película gira en torno a estas contradicciones. El hombre del futuro se encuentra igual de indefenso ante el "artefacto multiusos" que los homínidos. Pero el artefacto "los invita a sobrepasar su condición", a evolucionar hacia el misterio, hacia la trascendencia. Alguien recordó la escena en la que Dave, el astronauta, se encuentra en un cuarto espacial que está decorado con un estilo antiguo. "Específicamente", señala Chimal, "el cuarto está decorado al estilo del siglo XVIII", pues en ese siglo, "a partir de la Ilustración francesa, surgió el concepto de progreso científico". Y Kubrick lleva la novela de Clarke más allá de lo que el mismo Clarke se imaginó con el desconcertante final, que desafía lo científico. Kubrick "da saltos filosóficos y estéticos". ¿Dave se ve a sí mismo? ¿Está muriendo después del viaje estelar a Júpiter? Chimal no se atrevió a responder esas preguntas, "es una experiencia que cada quien tiene que calificar como pueda pues rebasa lo racional, y en eso consiste la poesía visual, que incluso puede llamarse poesía de protesta".

Otro punto para observar es "la repetición de patrones". La pelea entre tribus alrededor de un charco y la tensión entre gringos y rusos sentados en semicírculo; las diversas escenas alrededor de la comida; lo primero que hacen cuantos encuentran el artefacto es tocarlo cautelosamente con la mano; el cráneo con columna que destruye el homínido y la nave que tiene forma de cráneo con columna. El ojo de HAL y el ojo del jaguar...

Stanley Kubrick tardó cuatro años en filmar esta película -comenzó en 1965-, y la terminó de editar pocas semanas antes del estreno. Por ejemplo, a última hora quitó una voz en off que había planeado desde el principio del proyecto y eligió la música de Strauss. Kubrick fue un cineasta con una gran sensibilidad y claridad para elegir lo mejor para su obra. Atemporal, sublime, trascendental, bellísima, 2001: Odisea espacial es una de las obras cinematográficas más completas y bellas, tan alucinante que cuando se estrenó la gente iba a verla "en tripi".

MARTES 27: 2001 Odisea espacial

2010-07-26T12:13:00.000-07:00

Nuestra próxima proyección dentro del ciclo Poesía en Imágenes fue seleccionada por nuestro invitado de la noche, Alberto Chimal, escritor, cinéfilo y amante de las rarezas, quien analizará esta atemporal película de ciencia ficción desde el punto de vista de la poesía visual.

2001: Odisea Espacial

de Stanley Kubrick

(Ing-EUA, 1968, 141 min.)

Martes 27 de julio 2010

Foro Hilvana

Colima 378

entre Salamanca y Cozumel

Col. Roma Norte

México, DF

Proyección 20:00

¡Abróchense los cinturones!

Orfeo

2010-07-22T13:36:00.001-07:00

por Lila Nieto

Esta noche nos acompañó José Luis Gutiérrez Arias, cineasta y escritor que visitó nuestro cineclub por primera vez hace casi un año para presentar su ópera prima Todos los días son tuyos (México, 2007), un thriller político que rescata algunas de sus experiencias como periodista durante la sonada "caza de vascos" en México durante el sexenio de Vicente Fox. En esta ocasión, José Luis eligió un estilo muy distinto con la película Orfeo (Francia, 1950) de Jean Cocteau para el ciclo Poesía en Imágenes. En el fondo, José Luis también es un poeta. A continuación, algo de lo que se habló en el debate con un público muy apasionado (Cocteau no admite medias tintas, en todo caso).

Igual que en esta película en la que Orfeo vive en dos mundos, Jean Cocteau vivió una doble vida. Sin embargo, su vida y su obra giraron siempre en torno de su homosexualidad, "que él impuso en una sociedad intolerante a partir de la idea clásica de ésta: las figuras de Apolo y Orfeo", las dos figuras masculinas más repetidas del trabajo de Cocteau como poeta. "Sería muy francés un Orfeo poeta", nos dice nuestro invitado de la noche, "un Orfeo casi Mallarmiano, más que griego". De hecho, el Orfeo de Cocteau está inspirado en Raymond Radiguet, el famoso novelista (aquí en un dibujo de Picasso) muerto de tifus a los 20 años, quien se hizo célebre de la noche a la mañana con las novelas El diablo en el cuerpo (1920) y El baile del conde de Orgel, publicada en 1924, un año después de su muerte. Cocteau conoció a Radiguet después de la guerra cuando éste tenía 15 años, y se enamoró de él. Lo convirtió en su protegido, su amante y su socio en la revista que fundaron juntos, Le Coq. Su muerte sumió a Cocteau en un luto que lo arrebató de la actividad creativa durante más de dos años y aumentó su adicción al opio. En 1926 escribió la obra Orfeo, cuyo personaje está inspirado en Radiguet.

"Hoy en día el cine de autor tiende a hacer poesía visual, eliminando los diálogos". José Luis Gutiérrez eligió Orfeo justamente porque combina la imagen con diálogos poéticos. "Cocteau quiso equilibrar la imagen y el diálogo, no quiso borrar su poesía en el cine", pero tampoco se privó de traducirla a imágenes. Muchos cineastas se han visto seducidos por llevar mitos a la pantalla desde el punto de vista autoral (por ejemplo Kurosawa, Von Trier y Greenaway), lo cual implica un riesgo. "El éxito consiste en que logren traducir el mito a imágenes modernas. Cocteau retrató su época con Orfeo; en ella vemos el movimiento feminista, la imagen de Apolo como ideal homosexual y una crítica a la misoginia con el personaje de Eurídice". Desde el público se comentó además que "caricaturiza" su retrato social a través del mito e incluso caricaturiza su propia representación al llevar la dirección de actores al límite de la exageración, logrando "una especie de metalingüismo muy prematuro, representacional", lo cual lo salva de ser un insufrible mondongo de retórica francesa. Cocteau "aprovecha el mito para reflexionar sobre su proceso creativo". Cocteau utiliza el mito para explorar su homosexualidad, para representar el acartonamiento y el vacío de las relaciones humanas establecidas como "normales".

No olvidemos que Cocteau, antes que cineasta, fue poeta y dramaturgo, además de novelista y dibujante. Sin embargo, una de sus virtudes es que explora cada proceso creativo utilizando sus herramientas características, es decir, su cine no se pierde completamente en la retórica poética (aunque sí se regodea, eh?) sino que incluso precede la Nueva Ola francesa al separar el trabajo en foro y las locaciones exteriores. "Técnicamente están bien logrados los efectos especiales, hay rigor en la realización", comenta José Luis.

Con todo, para mi gusto esta película ya se nota anticuada. Pensemos, por ejemplo, en la muerte de El séptimo sello, de Bergman, una muerte atemporal y terrible, una historia de símbolos que no busca representar ni caricaturizar su tiempo sino analizar algo más bien universal. En Orfeo, la muerte es una especie de mujer malcogida y encorsetada que no impresiona a nadie con su gesto de frustrada autoridad. En fin, la homosexualidad misógina de Cocteau es visible también en el acartonamiento de los personajes femeninos. De los personajes, como bien dijo alguien en el debate, "el motociclista y el chofer son totales".

También se comentó en el debate que esta película es "surrealista", y de hecho muchos señalan a Cocteau como el introductor del surrealismo en el cine francés, cosa que él siempre rechazó. El surrealismo surge de un "franco rechazo a la estructura dramática, por ejemplo en Buñuel, pero aquí no está utilizado así. Los efectos especiales no rompen las convenciones lógicas de la narración", respondió José Luis. En efecto, la película narra una historia de principio a fin, y los rompimientos de la lógica terrenal son verosímiles en tanto que se trata de un mito que establece esa convención. "Todo menos el rompimiento de tiempo en las escenas responde a la representación clásica del teatro".

Filmografía de Jean Cocteau

La sangre de un poeta (1930)
La bella y la bestia (1945)
El águila de dos cabezas (1945)
Los padres terribles (1948)
Orfeo (1950)
La villa Santo-Sospir (1952)
El amor bajo el electrodo (1955)
El testamento de Orfeo (1955)

Los esperamos el próximo martes con la proyección de 2001: Odisea espacial, de Stanley Kubrick (UK-EU, 1968). Nuestro invitado de la noche, Alberto Chimal.

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 20: Orfeo

2010-07-19T16:27:00.000-07:00

Amigos,

Dentro del ciclo de Poesía en imágenes, les presentamos

Orfeo

de Jean Cocteau

(Francia, 1950, 100 min.)

Una historia basada en el mito griego realizada por un artista que ante todo se consideraba poeta. Jean Cocteau comenzó su carrera artística con un libro de poemas titulado La lámpara de Aladino (1909), lo que rápidamente lo situó como un escritor importante, y fue su talento como poeta lo que lo llevó a escribir novelas, libretos de ballet y finalmente cine personalísimo que se desprende de sus obras literarias. Amigo de figuras como Appollinaire, Picasso y Modigliani, Cocteau fue un autor clave en la introducción del surrealismo en el cine francés. Después de que probara el opio en 1923, Cocteau pasó un tiempo de recuperación en un sanatorio, pero a la vez inició el tiempo más prolífico e interesante de su producción artística, durante el cual escribió la novela de Orfeo (1927) que después convertiría en la película que veremos en esta ocasión.

Nuestro invitado de la noche eligió esta película especialmente para comentarla. Escritor, periodista, cineasta, José Luis Gutiérrez Arias es autor de las películas Todos los días son tuyos (México, 2007), thriller político que presentamos en este cineclub el año pasado, Abril y mayo (2009) y Marcelino pan y vino (2010).

Los esperamos este MARTES 20 de JULIO de 2010 a las 20:00 en nuestra sede, el Foro Hilvana (Colima 378, entre Salamanca y Cozumel, col. Roma Norte, DF).

¡Abróchense los cinturones!

Tequila + La fórmula secreta

2010-07-14T09:55:00.000-07:00

por Lila Nieto

Nacido en el kármico pueblo de Cananea, Sonora, en el espeso año de 1928 (igual que el Che Guevara, Jorge Ibargüengoitia y Noam Chomsky, por ejemplo), Rubén Gámez fue ante todo un espíritu revolucionario, un hombre inquieto, comprometido con su tiempo, y por supuesto uno de los pilares del cine experimental en México. Su cine no busca un resultado fijo, no busca complacer al espectador, pero tampoco busca provocarlo así nomás en seco; Gámez utiliza las formas del cine y las mezcla con las de la poesía y la música al servicio de un proceso creativo que es además una reflexión profundamente política. Lo interesante es que sus planteamientos siguen siendo vigentes, pues a través de una compleja labor de montaje es el espectador quien lo comenta, lo juzga, le añade significados. "Precisamente por eso le llaman ensayo cinematográfico" a su cine, nos dice Memo Vega, nuestro invitado de la noche, quien eligió el material de Gámez para la proyección. Y es que antes de cineasta, Rubén Gámez fue escritor, y Memo Vega conoció sus cuentos en el taller literario de Huberto Bátiz, cuentos "surrealistas y estrambóticos, así como sus películas".

En esta ocasión, Memo Vega nos trajo Tequila (1992), el único largometraje de Gámez, y de sorpresa su famoso mediometraje La fórmula secreta (1964). Pero hagamos una pausa para revisar el calvario que fue conseguirlas para la ocasión (una prueba más de lo experimental de su cine). Durante tres semanas estuvimos buscando en todos los tianguis, tiendas y callejones de la ciudad de México, y no encontramos rastro del cine de Rubén Gámez, pues sólo se distribuyó en VHS y las únicas copias que existen en formato digital son transferencias caseras. En nuestro peregrinar conocimos por vía electrónica a un extraño sujeto que dijo tener Tequila, aunque al final desapareció después de hacer diversas preguntas paranoicas acerca de nuestras razones para buscar el material (probablemente se refería a la bebida alcohólica, pues no volvimos a saber de él). Luego hubo otro más que también la tiene, pero éste resultó un hombre tan ocupado que no bastó mi promesa de ir "hasta el fin del mundo por la película", y fue irreductible en que sólo podía encontrarse con nosotras para la semana entrante (además de regañarnos por publicar la cartelera sin haber conseguido la película), y ahí quedó la cosa. Finalmente fue Memo quien la consiguió a través de Internet, con aperitivo de sorpresa y sin aspavientos, y nos regaló una copia de cada una. Al platicar esta anécdota en el debate, un amigo cineasta que acudió a la función mencionó inocentemente una opción más sencilla que todas y que nunca se nos ocurrió: "¿Preguntaron en el CUEC? Ahí seguro que la tienen". Una de esas ocasiones en las que lo único que se puede decir es "chale..."

Pero volvamos a la proyección; el mediometraje La fórmula secreta no fue exhibido en cartelera porque no era "ni corto ni largo", aunque en realidad la censura se debe a muchas otras razones, principalmente a su contenido político, fuerte, duro de roer, nada comercial. Hay, por ejemplo, una escena en la que un hombre mata artísticamente a una vaca con música de réquiem, y vemos cómo la vida se le sale con la sangre al tiempo que se intercalan escenas de un beso acartonado. La fórmula secreta se ha exhibido siempre en cineclubes y foros alternos. Sin embargo, este filme es bastante conocido no sólo porque ganó el primer lugar en el I Concurso de Cine Experimental en México, sino porque Juan Rulfo escribió un texto específicamente para él y Jaime Sabines lo narró con una voz que recuerda los discursos evocadores del subcomandante Marcos.

En realidad, Gámez interrumpió su obra durante casi 30 años desde que realizó La fórmula secreta hasta que hizo Tequila. Ésta es realmente una continuación de la anterior, son obras complementarias, y por eso resultó tan acertado verlas una después de la otra. El montaje con que Gámez construía su discurso era dialéctico (síntesis-antítesis-tesis), dice Memo, y si vemos estas dos obras desde más lejos nos damos cuenta de que responden a este mismo principio: La fórmula secreta es una película "masculina", y Tequila es "femenina". Ambas comienzan con bebidas, la primera muestra una botella de coca-cola conectada a una sonda de suero, y la segunda comienza con una botella de tequila que se vierte hasta vaciarse en una serie de caballitos. Tequila muestra inmediatamente después dos cámaras de cine viéndose la una a la otra, "el cine viendo al cine, la película anterior viendo a esta".

Fotógrafo de profesión, Gámez fue documentalista, pero también se formó en la publicidad. Lo curioso es que en su cine, aunque vemos todo el tiempo mensajes subliminales y síntesis visuales que aprendió en ese campo, se despegó totalmente de hacer un "cine de publicista" para lograr símbolos de gran complejidad. Su cine, aunque al final resulta "nacionalista incluso en su crítica del nacionalismo", dista mucho de querernos vender una idea en particular. Gámez construye su discurso "como la poesía o la música, a través de contrastes y ritmos, y no de manera narrativa como la novela o el cuento", señala Memo, "encuentra imágenes y las hace rimar". El carácter poético de su cine consiste, más que en secuencias muy bien trabajadas, en esta "concatenación de imágenes que va formando un ritmo". Seguramente cada fotograma tiene un planteamiento político cuidadosamente construido, pero "es ambiguo, y desata pensamientos y reacciones emocionales" en el espectador.

Desde el público nuestro amigo cineasta hizo una intervención interesante: Rubén Gámez estrenó Tequila "dos años antes del desmantelamiento del cine por Salinas", y no tuvo seguidores, pero no los tuvo desde los años 60 en que estrenó La fórmula secreta, pocos años antes de la matanza de Tlatelolco, pues el cine experimental mexicano estaba coartado como todas las demás formas de expresión cultural. Sin embargo, recordó, Gámez influenció a cineastas de su generación del CUEC que hoy exploran la corriente que se conoce como hiperrealismo, en la cual México "va a la cabeza"; cineastas como Carlos Reygadas, Amat Escalante, Julián Hernández, incluso Fernando Eimbcke. Esta influencia se nota en que muestran imágenes de "gente real", continúa nuestro amigo, "es como una disección en vivo". Sin embargo, estos jóvenes cineastas distan mucho de la contundencia política con que Gámez abordó el cine, y sus películas tratan conflictos más bien personales, internos. Los que más se acercan a lo político son quizás Los bastardos, de Amat Escalante, y Batalla en el cielo, de Carlos Reygadas (no es que las recomiende ni que tengan nada de poéticas, ojo). Aquí Memo apuntó algo interesante, que "están caducos los discursos políticos sobre identidad y nacionalismo, pero tampoco se reflexiona al respecto. Tequila, aunque es crítica, plantea un nacionalismo, cosa que ahora se rechaza totalmente al verse como intolerancia". El hiperrealismo, es verdad, "te hace participar en lo que ves como si estuvieras ahí", apunta alguien más desde el público, pero, responde Memo, "es chocante. Y volvemos a la cuestión de la poesía". Ver el cine de Rubén Gámez, apunta el amigo cineasta, es como "hojear un libro de poemas; incluso las puedes ver a cachitos", pero lo que Gámez sabe hacer muy bien es contrastar lo chocante con lo placentero al construir su sinfonía visual, y por eso es poético a diferencia del hiperrealismo. Gámez se permite incluso hacer ciertas intervenciones artísticas, desde escenas que en realidad son performance hasta trozos de animación stop-motion y pinceladas hechas sobre el negativo. Lo que hace Gámez es cine, sí, pero se acerca también al terreno del arte plástico.

Sobre todo La fórmula secreta es una película hecha en un tiempo en que el arte y la participación política estaban bollantes en México. Se nota una obra hecha por artistas de distintas disciplinas (Rulfo, Sabines, Gámez) que se interrelacionaban con mucha más libertad que hoy, una obra hecha no por un cineasta como sinónimo de tecnócrata, sino por artistas integrales que se aventuraban a romper las barreras de su campo.

Cine como el de Rubén Gámez hay poco. "Nadie lo quiere hacer, y mucho menos hay quien quiera verlo!", bromea Memo Vega para cerrar el debate. Pero recordamos algunas películas mexicanas que pueden clasificarse cerca de las de Rubén Gámez, como por ejemplo Yo te saludo, Lupita, de Rafael Corkidi; el cine de Ariel Zúñiga, que fue algo parecido a una "nueva ola mexicana", y materiales de otros países como Canciones del segundo piso, de Roy Andersson; El bebé de Macon, de Peter Greenaway; El hombre con la cámara, de Dziga Vertov, y Begotten, de E. Elias Merhige.

Los esperamos el próximo MARTES 20 DE JULIO DE 2010 con la proyección de Orfeo, de Jean Cocteau (Francia, 1950). Con nosotros estará José Luis Gutiérrez Arias, quien comentará esta película elegida por él para nuestro ciclo de Poesía en Imágenes.

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 13: Tequila

2010-07-12T16:58:00.000-07:00

Amigos, los esperamos este MARTES 13 de JULIO de 2010 con la proyección de:

TEQUILA

de Rubén Gámez

(México, 1992, 85 min.)

"Por su abnegación y valentía, esta película está dedicada a la mujer mexicana". Con esta frase inicia Tequila, que por una parte es un homenaje al innegable espíritu combativo y fuerte de las mujeres explotadas laboralmente, y que son sometidas a dobles jornadas como madres y esposas.

Con nosotros estará un maestro que ha colaborado con este cineclub desde sus inicios, Guillermo Vega, escritor, periodista, soñador, cinéfilo.

No se pierdan esta película mexicana irreverente, crítica, poética, poco vista y poco valorada. Los esperamos en nuestra sede, el Foro Hilvana (Colima 378, entre Salamanca y Cozumel, col. Roma Norte, México DF). La proyección es a las 20:00.

¡Abróchense los cinturones!

Tiburoneros

2010-07-07T22:56:00.000-07:00

por Lila Nieto

Nuestro invitado de la noche, Víctor Ugalde, llegó al cineclub en la llovizna para disfrutar por vez número diecinueve de esta magnífica película y deshilvanar una historia de personajes mitológicos que ya por fin le parece que "podría ser más dinámica" en el montaje: Tiburoneros, de Luis Alcoriza (México, 1963). Pero además, con ligereza desinteresada Víctor nos platicó muchas cosas sobre el cine que se hacía en esa época, antecedentes que ayudan a entender de dónde salió esta obra maestra en contraste con la tendencia comercial que caracterizó el cine mexicano de esa década.

En los años 60 la producción de cine en México era controlada por el monopolio de "las siete familias" (Gregorio Wallerstein, Alejandro Galindo, Ismael Rodríguez, Arturo Ripstein, Alfonso Rosas Priego, Fernando De Fuentes y los hermanos Calderón), y se hacía básicamente de dos maneras, al estilo de Enrique Guzmán (urbanitas) o "de caballitos" (rancheritas); en fin, dos caras de lo mismo: cine de estereotipos, con sus excepciones. Fue el tiempo de la peor censura al cine; no se permitía hablar del presidente ni de la iglesia ni del ejército ni del himno nacional, ni mostrar la pobreza, la sexualidad, la oposición. "El cine más falso de la historia en México se hizo en los sesentas", nos cuenta Ugalde. Había "facilidades" para los productores con el fin de que se abstuvieran de hacer críticas.

Sin embargo, también estaban los intelectuales, orgullosos todavía del triunfo de la Revolución Cubana, empapados de los distintos movimientos sociales y culturales en el mundo, y que querían hacer cosas diferentes. Hacer buen cine en México se trataba de "contar lo que querías contar sin que te mordiera la censura, y de todos modos te mordía", recuerda Víctor. Alcoriza filmó sus mejores obras durante la peor época de la censura, las famosas "tres T": Tlayucan (1962), Tiburoneros (1963) y Tarahumara (1965), a la cual le mocharon 30 minutos y tiraron los negativos a la basura; la única evidencia que existe de la historia completa es un guión resguardado en la Sociedad General de Escritores de México (Sogem), institución defensora de los derechos de autor, de la cual Alcoriza fue miembro fundador. Pero tampoco satanicemos los sesentas. Censura ha habido en todas las épocas. "El único presidente que no censuró nada fue Lazcuráin", dice Víctor con media sonrisa sarcástica (Lazcuráin sólo fue presidente durante 45 minutos).

Con Tiburoneros, Luis Alcoriza logró escribir un guión que le dio la vuelta al sistema de censura. La pobreza que muestra "es festiva", por lo que no cuesta tanto mirarla, y el enfoque no está puesto en ella como denuncia sino que es parte enriquecedora del contexto, pero no el conflicto central. En todo caso, el cuestionamiento que hace esta película sobre la pobreza es más bien en el terreno de lo interno, lo existencial. ¿Cuál pobreza? ¿La pobreza del paisaje urbano que Aurelio ve por la ventana en la ciudad o la pobreza económica de los pescadores? ¿La pobreza espiritual que exige la vida en las urbes o las rudas relaciones de supervivencia cerca de la naturaleza? Estos son los cuestionamientos que Aurelio se hace a sí mismo, sin denunciar a nadie sino simplemente como medio para entenderse y elegir su camino. Aurelio es un personaje "mitológico", comentó alguien que ha seguido muy de cerca el cineclub desde el otro lado del Atlántico y que en esta ocasión nos honró con su presencia. Aurelio es un héroe, pues decide su destino libremente, buscando una nueva manera de relacionarse con el mundo, con la familia, con el amor, con el trabajo, sin dejar de lado su responsabilidad como líder, un puesto que en el mar se ha ganado.

En la cola del neorrealismo italiano ciertos productores apostaron por un "neorrealismo mexicano". Por ejemplo Antonio Matouk, de origen Libanés, productor de esta y otras películas de Alcoriza, era además de un productor colmilludo "un tipo sensible", y pensaba que se podía hacer cine diferente del habitual, que contara historias nacionales, pero que también dejara dinero. Y tampoco olvidemos que Luis Alcoriza era español, por lo que seguramente tuvo un contacto más cercano con el neorrealismo italiano. Con esta historia, Alcoriza logra contar lo que él quería pero sin romper las reglas comerciales: "que haya una historia de amor, triste o feliz pero que la haya, que aparezca algún actor famoso (Julio Aldama), y un personaje chistoso (aquí hay dos, el Pigüa y el borrachito). Habiendo resuelto esto, Alcoriza se permitió apostar por actores desconocidos y con poca experiencia, filmar en blanco y negro (aunque ya era habitual el color) y rodar casi toda la película en exteriores, cosa que era difícil en ese tiempo (no había equipo portátil, todo era grande y pesado, por lo que en los estudios se hacía todo, y se construían escenografías hasta de campos y ríos; un crew mínimo era de 58 personas). A mediados de los 60 surgió el formato 16 mm, lo cual significó el inicio del cine independiente en México, pero Alcoriza se las ingenió para filmar siempre en 35 mm.

Claro que para cuando Alcoriza hizo Tiburoneros en 1963 ya era un cineasta con mucha experiencia. Había escrito más de 50 películas, entre ellas Los olvidados (1950) y El ángel exterminador (1962) con Luis Buñuel, La hija del engaño (1951) con Janet Alcoriza, Tlayucan (1962), la cual también dirigió y que le valió una nominación al Oscar y una Diosa de Plata, y Los jóvenes (1961), su ópera prima como director que estuvo nominada al Oso de Oro en el festival de Berlín. Con Tiburoneros obtuvo por segunda vez la Diosa de Plata de los Periodistas Cinematográficos de México, y dos años más tarde, con la última de "las tres T", Tarahumara, obtendría en Cannes un premio de la crítica y una nominación a la Palma de Oro. En 1963 Luis Alcoriza había adquirido mucho oficio y "tenía cosas que contar", pero además era un gran observador y tenía muy buen oído para los diálogos. Independientemente del reconocimiento en festivales, Alcoriza logró un cine que "permanece en el imaginario mexicano", un verdadero cine de autor.

Y es que en esos años no todo era negro; se podía vivir de la pluma. Uno podía llegar con su argumento a la oficina de un productor y conseguir fácilmente un buen adelanto para desarrollarlo. No como hoy, que el guionista debe escribir el guión y luego "tomarse un curso de producción" con la esperanza de levantar su proyecto él mismo, bromea Víctor. Los productores actuales, salvo excepciones, han aprendido "todas las malas mañas que escucharon en los cafés y no tienen la experiencia" que los viejos productores adquirieron en el campo de batalla. Y quizás lo mismo sucede con los guionistas. Lo que hacía Alcoriza era escribir el guión en la ciudad y luego irse a la locación para afinar detalles y montar los diálogos. Otras películas suyas que Víctor nos recomienda son El gángster (1965, escrita por Janet Alcoriza), Mecánica nacional (1972), La chamuscada (1971, escrita junto con Juan de la Cabada y dirigida por Alberto Mariscal), El muro del silencio (1974), Presagio (1975, escrita en colaboración con Gabriel García Márquez), y Tac-tac (1982, coescrita con Antonio Monsell).

Como guionista, Luis Alcoriza aprendió mucho de su mujer, Janet Alcoriza, actriz y bailarina pero sobre todo guionista, quien escribió con él muchos de sus guiones y cuya obra incluye más de 80 libretos. Nacida en Austria, criada en Estados Unidos, educada en Europa y enamorada de México, Janet escribió para directores como Julián Soler, Miguel M. Delgado, Norman Foster, Alfredo Varela Jr. y Matilde Landeta, y escribió en colaboración con figuras como José Revueltas, Luis Buñuel, Juan de la Cabada, Alejandro Galindo y Chano Urueta.

Nuestro visitante trasatlántico mencionó algo muy interesante: la película es "estridente". Y lo es no como sinónimo de sórdido, sino en el tono; esta característica estilística es testimonio del buen oído de Alcoriza que retrata la personalidad mexicana. Alcoriza no mira como un colonialista sino que se funde y capta el punto de vista subjetivo del lugar. Tiburoneros refleja las clases sociales y el pensamiento de su tiempo. Aurelio es un espíritu libre cuya elocuencia justifica su falta de "machez". Y Manela, su "tiburona", es un personaje de "absoluta nobleza".

Con una producción que manifiesta la gran experiencia técnica de la sección 49 del Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica (STIC), una fotografía muy bien cuidada, un guión de hierro, una dirección que destaca las sutilezas de los personajes sin caer en el sentimentalismo y un productor que supo dónde poner la billetera, Tiburoneros es un filme obligado para todo cinéfilo que se precie de serlo.

Los esperamos el próximo MARTES 13 de Julio con la proyección de TEQUILA, de Rubén Gámez (México, 1992). Nuestro invitado de la noche, Guillermo Vega, quien ha acompañado el camino de nuestro cineclub desde sus inicios.

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 6: Tiburoneros

2010-07-01T13:07:00.001-07:00

Amigos,

Este MARTES 6 DE JULIO DE 2010 les presentamos una de las mejores películas mexicanas de todos los tiempos, una obra maestra que ha pasado a la historia del cine mundial.

Tiburoneros
de Luis Alcoriza
(México, 1963, 100 min.)

En el debate nos acompañará uno de los principales aliados de nuestro cineclub, Víctor Ugalde. Guionista, realizador, investigador, presidente de la Sociedad Mexicana de Realizadores de Cine y Medios Audiovisuales, maestro en la Escuela de Escritores de SOGEM, gran conocedor del cine mexicano y de la industria cinematográfica, Víctor es también mentor de nuestro cineclub.

Sobre Luis Alcoriza

Poseedor de una amplia trayectoria como actor y guionista, además de colaborador cercano de Luis Buñuel, el director Alcoriza combinaba talento y experiencia con una enorme sensibilidad para capturar la esencia de un México que ya no se parecía al que los directores de la época de oro insistían en presentar en la pantalla. Ante un cine solemne y retórico, Alcoriza apostaba por la naturalidad, la sutil ironía y, ante todo, la libertad.

Eje alrededor del cual giró casi toda su filmografía (que consiste en más de 60 películas), la libertad es el tema central de Tiburoneros, una cinta fresca y libre del sentimentalismo con el que se suele presentar la historia de un citadino que encuentra la felicidad lejos de la gran ciudad.

Sin idealizar el entorno tropical que rodea al protagonista, Alcoriza planteó en Tiburoneros la posibilidad de lograr la libertad a partir de la voluntad individual del ser humano. Aurelio ha decidido quedarse en la costa y ser pescador no porque viva en el paraíso, ni porque aborrezca la ciudad, sino porque simplemente allí le gustó vivir.

En contraste con el moralismo propio del cine mexicano de su época, en Tiburoneros, Alcoriza decidió no juzgar a sus personajes por lo que hacen o dicen, sino dejarlos ser, en completa libertad. El resultado fue una película que contribuyó a la renovación del cine mexicano y motivó a otros cineastas a ofrecer propuestas temáticas y estéticas acordes con los nuevos tiempos.

Fuentes: http://cinemexicano.mty.itesm.mx/peliculas/tiburoneros.html
http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/luis_alcoriza.html

No se pierdan esta magnífica película. Los esperamos a las 20:00 en nuestra sede:

Foro Hilvana

Colima 378

entre Salamanca y Cozumel

col. Roma Norte

México DF

¡Abróchense los cinturones!

JULIO: Poesía en imágenes

2010-07-01T12:27:00.001-07:00

En este mes de julio de 2010 les presentamos un ciclo de películas diversas que comparten una característica esencial: la poesía de las imágenes. Esta pequeña muestra viene acompañada del análisis de cuatro maestros que nos ayudaron a elegir la cartelera y que nos acompañarán en los debates: Víctor Ugalde, Guillermo Vega, José Luis Gutiérrez Arias y Alberto Chimal.

Los esperamos los martes a las 20:00 en nuestra sede, el Foro Hilvana (Colima 378 entre Salamanca y Cozumel, col. Roma Norte, DF)

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 29: Mesa redonda y proyección

2010-06-24T16:31:00.001-07:00

Amigos,

Este MARTES 29 DE JUNIO 2010 les ofrecemos para cerrar la reflexión de este ciclo de documentales, una mesa redonda en la que participará un grupo de soñadores que han imaginado y llevado a la práctica una serie de distintas maneras de construir la autonomía bajo un sistema mediático y político cuyo valor único es el dinero.

En la mesa estarán Larissa Rojas, cineasta, documentalista, ecologista, directora del festival Underfilms, que abordará el tema del documental como informador de las redes sociales de resistencia; Julio Broca, activista, alpinista, diseñador, sociólogo, quien hablará sobre resistencia y horizontalidad; Agustín Martínez, diseñador, cineasta, cineclubista, director de la asociación civil Bicitekas, Agustín ganaría el trofeo a la mayor cantidad de horas de video grabadas sobre una bicicleta, y nos compartirá su experiencia en proyectos de ciclismo urbano, y Gabriel Rodríguez, cineclubista, historiador, escritor, politólogo, que nos hablará sobre el cineclubismo como formador de públicos, y de los públicos como redes sociales, y sobre la red alterna de distribución Cinesud.

18:00

Mesa redonda:

Autonomías

Larissa Rojas (el documental, informador alterno)

Julio Broca (Horizontalidad y autonomía)

Agustín Martínez (Ciclismo urbano)

Gabriel Rodríguez (Cineclubismo y la red de distribución Cinesud)

Moderan:

María Holbox y Lila Nieto

Después de la mesa proyectaremos el último documental de este ciclo:

20:00

Manufacturing Consent:

Noam Chomsky y los medios (parte 1)

de Mark Achbar y Peter Wintonick

(Can/Austr/Fin/Nor, 1992, 90 min.)

Vengan a compartir con nosotros su experiencia en esta intensa sesión final de nuestro ciclo Redes sociales ante el poder de lo ilusorio. Los esperamos este martes 29 de junio a partir de las 17:45 en el

Foro Hilvana

Colima 378

col. Roma Norte

entre Cozumel y Salamanca

México, DF

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 22: ¡Salud!

2010-06-17T00:44:00.000-07:00

Amigos,

Dentro del ciclo Redes sociales ante el poder de lo ilusorio presentaremos el documental

¡Salud!

de Connie Field

(EUA, 2006, 93')

Esta película retrata el sistema de salud cubano, creado a partir de las carencias materiales y uno de los más exitosos del mundo, que se basa en principios muy distintos a los del sistema de salud que conocemos en México, y por supuesto en Estados Unidos: la medicina preventiva y el compromiso del médico con la comunidad. Cuba ha extrapolado este sistema a 68 países del tercer mundo, enviando miles de médicos a lugares como Venezuela, El Salvador y Ghana. Además, han entrenado a unos 30 mil médicos de otros países a condición de que practiquen la medicina en sus comunidades.

Con nosotros en el debate estará Rubén Viera, psicólogo cubano que reside en México y que nos compartirá su experiencia como médico formado bajo las pautas humanitarias del sistema de salud de su país, así como su conocimiento de algunos tratamientos alternativos que se han desarrollado a partir de la destacada investigación científica en Cuba.

Los esperamos como siempre este MARTES 22 de JUNIO 2010 en:

Foro Hilvana

Colima 378

Col. Roma Norte

entre Salamanca y Cozumel

Proyección 20:00

Esperanza en tiempos difíciles

2010-06-16T00:21:00.000-07:00

por María Holbox

Este poderosísimo documental plantea una serie de propuestas ante las adversidades del sistema. Esperanza en tiempos difíciles (de Melissa Young y Mark Dworkin, EUA, 2001) nos muestra el movimiento social que se generó en la Argentina del 2001 cuando el 40% de la población se quedó sin trabajo, los negocios y las fábricas quebraron, y las cuentas bancarias fueron congeladas. Los vecinos en los barrios no se conocían hasta que salieron a las calles con el grito “Que se vayan todos”, los que no quieran trabajar por la gente que se vayan. Miles de argentinos se unieron para hacer propuestas concretas y sobrevivir a la crisis económica a través del trueque, la reapertura de más de 200 fábricas quebradas que fueron reactivadas por los obreros, la instalación de comedores comunitarios, cultivos a las afueras de la ciudad, reciclaje y otras muchas manifestaciones de la creatividad humana y del regreso a nuestros orígenes colectivos.

Al iniciar el debate, nuestra invitada Ena Salinas, socióloga y activista mexicana, nos anunció que la ruptura económica del capitalismo sucederá a nivel mundial, “esto mismo va a suceder en todos los países”. Redondeó diciendo que “desde los inicios nos encontramos con que sólo unidos se genera bienestar y lo que fomenta el sistema capitalista es el individualismo”. El documental presenta fragmentos de una conferencia que dio Joseph E. Stiglitz, quien fue economista en jefe del Fondo Monetario Internacional (FMI) y uno de los principales creadores del sistema económico actual, miembro del gabinete de Bill Clinton, y que fue exiliado de dicho fondo después de que denunció las trampas que el FMI y el Banco Mundial cometen en los países pobres. Stiglitz, "el globalizador que desertó", recibió el Premio Nobel de Economía en 2001 y es uno de los economistas más leídos en el mundo. En la conferencia, sostiene que “si todas las economías emergentes están en crisis es porque algo está mal en el diseño económico”. Nuestra invitada comentó que las políticas neoliberales se basan en que los bienes públicos se exploten para alimentar empresas privadas. Un gran ejemplo, aprovechando la fiebre del futbol, es el Mundial, en el que se construyen estadios y grandes obras con dinero público y todas las ganancias que se generan terminan enriqueciendo a la FIFA, los medios de comunicación, los grandes hoteles y corporaciones como Coca Cola y Nike. El juego de los números de la economía montada en el tiempo nos engaña. La población aparentemente beneficiada con el Mundial paga el precio de los estadios y el resto de la infraestructura, y muchas veces tiene que volverse a endeudar para salir del problema, como le sucedió a Grecia en las Olimpiadas del 2004: deben 310 mil millones de euros.

Durante el debate se puntualizó la importancia de la educación en la organización social, y comentamos dolorosamente la diferencia del nivel educativo de los argentinos en comparación con nuestra sociedad: “es otra educación, se nota desde que hablan con fluidez y muestran más confianza en sí mismos”. En el documental pudimos escuchar críticas políticas entre grupos de vecinos en Argentina que instituyeron asambleas en las calles para organizarse ante la grave crisis: "No hay proyecto de país, el Fondo Monetario Internacional dicta lo que se tiene que hacer, hay que cambiar los modelos rurales, nos tienen miedo porque todavía tenemos esperanza".

Nuestra invitada mencionó que "la ignorancia en nuestro país es caldo de cultivo para romper redes sociales y responder a la enajenación masiva". Al no tener memoria histórica, nos olvidamos de todo en un instante. Una persona del público recordó la época maravillosa de la educación en los años '50, pero las generaciones que nacieron a partir de los años '70 (quizás la matanza del '68 fue el comienzo de la masacre de la educación) hemos visto cómo la educación es cada vez más deficiente. Tuvimos el privilegio de que por primera vez un chico de secundaria nos visitara y expusiera una visión de las generaciones actuales; nuestro joven cinéfilo recordó las modificaciones al plan de estudios durante el mandato de Fox. En su reinado mandó cortar la materia de civismo y eliminar de nuestro mapa mental cualquier huella prehispánica que pudiera quedar en la historia. Aprovechamos la intervención de este joven para cuestionarlo y saber más sobre lo que piensan y sienten sus compañeros. Nos dijo que “todos están en su nube, nadie propone nada porque todo se va a acabar, hay libertad de expresión pero no te dejan decir nada, los polis te chingan en la calle porque a ellos les dan bonos por cada detenido y lo más fácil es agarrar a un menor, inculpándolo de cargar drogas aunque no traigas”. De ahí comentamos sobre la generación perdida de los ninis, jóvenes que Ni estudian Ni trabajan, y que en nuestro país son candidatos ideales para unirse a las filas del narco o para terminar en el suicidio.

Con la carencia educativa, la corrupción y la impunidad rampantes en nuestro país nos cuestionamos cómo se podría contextualizar un movimiento como el que se generó en Argentina. Una persona del público recordó el sismo del '85 en el que las autoridades se paralizaron mientras la sociedad civil se hacía cargo. Al fin y al cabo la madre necesidad despierta nuestra sabiduría interna y ancestral. Ena, desde la astucia sociológica, apuntó que "cuando el sujeto incide en su realidad se vuelve más grande que sí mismo, y cuando se fusiona con su colectividad es mucho más poderoso". Recordó líderes revolucionarios como el Che Guevara, pues en el documental aparece un hombre que sobrevivió la dictadura de los años '70 en Argentina, que pasó dos veces por la tortura y estuvo diez años en prisión, y nos explicó que los revolucionarios aguantan la tortura "porque ya no eres tú, te vuelves colectividad y dejas de sentir el dolor: eres una flor en el campo de la primavera”. El Che acabó luchando en el Congo, pues su lucha no partía del nacionalismo sino de su profundo sentido de colectividad.

También se tomó el ejemplo de las madres argentinas que perdieron a sus hijos en la dictadura y a la fecha realizan marchas a nombre de todas las madres del mundo que pierden a sus hijos secuestrados y muertos por las autoridades. Estas mujeres han socializado la maternidad, ellas mismas lo dicen. Nuestra invitada comentó que “dentro de las sociedades colectivas la responsabilidad de los más pequeños de la especie les corresponde a todas las mujeres”. A muchos todavía nos tocó recibir un buen tortazo o regaño de la tía, amiga o hasta de algún desconocido. En la actualidad, al corregir a un niño ajeno corres el riesgo de ser atacado violentamente por su madre. También, muchos niños se pasan las tardes solos frente a la televisión o la computadora. El público añadió la necesidad de que también se socialice la paternidad, “todos deberían ser tus padres y tus madres”. Quizás quienes más sufren –mi sentido pésame- con esta des-socialización de la maternidad y la paternidad son los maestros. Pero lo grave de esto es la desintegración de los tejidos sociales, de los valores comunitarios, el vacío de dirección que crea generaciones perdidas de jóvenes que carecen de identidad y que no pueden formar un puente entre el pasado histórico y su presente, mucho menos pensar en un futuro.

Pero no todo es negro; una de las ventajas de la globalización es que los mismos temas y problemáticas se discuten en todo el mundo y las redes sociales se expanden. Por medio de Internet o en documentales vemos ejemplos de las situaciones que viven otros países, lo cual nos permite prevenir y dimensionar las capacidades del sistema. La preocupación por el campo es un tema, las consecuencias de las semillas transgénicas y las patentes. ¿Quiénes deciden qué se cultiva y en dónde?, se preguntaban los argentinos en el documental, “somos el segundo exportador mundial de soya y aquí nadie la consume”. Lo mismo nos preguntamos en muchos otros países. La privatización y el mercantilismo llegan a su máxima expresión en Bolivia, cuando una empresa compró el sistema de aguas y privatizó hasta el agua de la lluvia. Por suerte los bolivianos se unieron para recuperarla, como pudimos ver en el primer documental de este ciclo, La corporación. ¿Estaremos exentos de una situación así en nuestro país, que no para de vender las empresas que nos pertenecían para llenar sus bolsillos?

La solución es clara: unirse en la autonomía. “Somos células de un mismo cuerpo”, dijo alguien en el público. Las propuestas se dieron al instante: "hay que marginar el dinero; se puede por ejemplo, hacer trueque", y nos pasaron un dato que les compartimos: el último domingo de cada mes se hace un mercado de trueque en “la Romita”, cerca del metro Cuauhtémoc, entre las calles de Puebla y Durango. Hay que reactivar la tierra, comprarle al campo productos orgánicos que aunque aparentemente cuesten más, “antes era lo más barato, hoy lo mejor” y a la larga ahorraremos en medicinas y hospitales. Para ponernos a salvo de los horrores del mercantilismo y los transgénicos, en las ciudades se ha vuelto una responsabilidad hacer cultivos urbanos, sembrar y volver a la pachamama, pues sale muy caro acabarnos los recursos del campo desde las urbes, que no producen más que concreto y contaminación y consumen grandes cantidades de recursos que hay que traer de las afueras. Es posible crear redes sociales y unirse a otras redes sin perder la esperanza de que con pequeñas cosas, todos unidos, podemos realizar un verdadero cambio.

MARTES 15: Esperanza en tiempos difíciles

2010-06-12T09:18:00.000-07:00

Amigos,

Este MARTES 15 DE JUNIO 2010 proyectaremos un inspirador documental que muestra no sólo la Argentina económicamente quebrada en 2001, sino la capacidad de organización y apoyo mutuo que mostraron las personas en los barrios, los obreros en las fábricas. Este trabajo muestra cómo sin dinero no existen los prejuicios de clase sino solamente las personas en colaboración, el espíritu bollante, el aire de alegría y de esperanza.

Esperanza en tiempos difíciles

de Melissa Young y Mark Dworkin

(EUA, 2001, 60')

Con nosotros estará Ena Salinas, socióloga y activista mexicana que trabaja en el camino hacia la autogestión de las comunidades, hacia la autonomía de las personas, hacia la hermandad entre los pueblos.

Foro Hilvana

Colima 378

Col. Roma Norte

entre Salamanca y Cozumel

Proyección: 20:00

Un poquito de tanta verdad

2010-06-11T16:40:00.000-07:00

por Lila Nieto

Con un documental como este el tiempo de debate siempre queda corto. Surgen tantos temas de discusión, tantos mitos, preguntas, ideas, sentires, que uno se va con hambre. Hambre de saber, hambre de hacer.

Las personas que integraron el público de la noche no habían visto Un poquito de tanta verdad, documental de Jill Friedberg (EUA-México, 2007, 93 min.), y la primera reacción fue de gran sorpresa y enojo; ninguna versión oficial de lo que pasó durante la resistencia en Oaxaca refleja la realidad, las causas y logros del movimiento popular, y tampoco la incapacidad de dialogar y la violencia represora del gobierno estatal y federal. Este documental pone en evidencia cómo los medios masivos de comunicación son un instrumento de manipulación y control.

Para iniciar el debate, Julio Broca –nuestro invitado, activista, sociólogo y diseñador que se ha involucrado en esta lucha– mencionó el principio de esperanza, que consiste en el hecho de que “todos descubrimos que somos los constructores de una parte de la miseria que nos agobia a todos, y al darnos cuenta, decidimos dejar de construir eso y comenzamos a usar nuestra fuerza y capacidad de hacer para construir un mundo distinto, con actos modestos y cotidianos pero que rompen la temporalidad de dominación en la que vivimos”.

En el diálogo, pronto surgió la pregunta, ¿qué es la APPO? ¿Es una ONG, una guerrilla urbana, un grupo radical, una pandilla de vándalos, una gran bola de huevones? Ninguna de las anteriores, la APPO es lo que dicen sus siglas: Asamblea Popular de los Pueblos de Oaxaca. Es decir, que cuando la combativa Sección 22 del Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación (SNTE) inició un plantón en el zócalo de Oaxaca el 14 de junio de 2006 para exigir mejores condiciones no sólo para ellos, sino también para los niños a quienes educaban -niños que llegan a la escuela "sin desayunar, sin zapatos"-, esa noche fueron desalojados violentamente por la policía, con saldo de una maestra que abortó y muchos heridos. Al amanecer del 15 de junio bajaron a la ciudad más de 300 organizaciones indígenas y campesinas de los alrededores para unirse a su lucha, así como actores sociales de izquierda al margen del estado. La APPO se formó así, y las organizaciones que la conforman llevan muchos años luchando a la sombra de los medios de comunicación, la opinión pública y los gobiernos que se han sucedido el poder de ese estado. También se unieron a esta asamblea estudiantes universitarios y amas de casa. A lo largo de los hechos se sumaron muchos artistas que más tarde formarían diversos colectivos a favor del movimiento, uno de los cuales es la Asamblea de Artistas Revolucionarios de Oaxaca (ASARO). La APPO, entonces, es una conglomeración de luchas populares, de personas que comparten las carencias y las injusticias, una expresión de todos los anónimos que han resistido la opresión. Más de 70 mil personas integraron este movimiento, y lo siguen integrando potencialmente.

En México hay movimientos populares de resistencia todo el tiempo. De hecho, los pueblos originarios han sobrevivido gracias a su capacidad de resistencia y a su profunda identidad cultural, gracias a la eterna lucha organizada y a la esperanza de que un día puedan vivir en paz. Pero lo que hace característica esta lucha en particular es que efectivamente instauró la ingobernabilidad en el estado al expulsar todos los poderes y tomar las oficinas gubernamentales. Esta lucha era imposible de desarticular, pues las ofensivas oficiales sólo lograban fortalecerla. Cada revés se traducía en una nueva acción de resistencia. Y en gran medida la organización popular se sostuvo y creció gracias a la toma de los medios de comunicación.

Así como los medios masivos de comunicación en manos de las corporaciones y los gobiernos son utilizados para mantener lobotomizado al pueblo, en manos de la gente se convierten en lo opuesto: un instrumento que conecta, informa, despierta, sensibiliza, un instrumento fundamental para la lucha organizada. Tanto, que cuando el gobierno mandó una ofensiva paramilitar para romper las barricadas –que consistía en camionetas llenas de policías vestidos de civil disparando indiscriminadamente contra la población –, la gente no se quedó en sus casas agazapada sino que salió a la calle a defenderlas con su presencia, ¡la gente salió a la calle a mitad de la noche! Salieron a defender, a evitar la represión, porque sabían que eran parte de esa lucha, que compartían sus demandas y sus dolores, y sus esperanzas: se acomunaron. Por eso, en parte, se ha comparado esta lucha con la Comuna de París.

En el debate también se mencionaron los grupos radicales que se infiltran en los movimientos populares para legitimar la represión, los llamados ultras. “Estos grupos surgieron del gobierno después de la matanza del '68, al darse cuenta de la fuerza de los movimientos sociales”, nos cuenta Julio. Lo que hacen los ultras es realizar "actos tan radicales que cualquier otro parece liviano y débil", y consiguen infiltrarse en los movimientos sociales porque su discurso de izquierda es “difícilmente reprochable, pero es inauténtico y está al servicio de la desarticulación de los movimientos por desgaste y discusión”, como sucedió por ejemplo en la huelga de la UNAM en el 2000. Lo que hacen los ultras es “invitar a la acción constante, lo cual no da cabida a la reflexión”. En oposición a esto, mencionó Julio, la academia se enfrasca en la "reflexión sin participar en el movimiento, lo cual produce un discurso derrotista y busca encontrar las causas del fracaso más en el movimiento que en la violencia cínica del poder. Lo que queda en medio de esto es el pueblo." Hoy, nos hemos dado cuenta de que "la actitud más subversiva posible es el optimismo y la risa". Por eso, comentó nuestro invitado, al surgir gran cantidad de producción artística y con el hecho de bailar en las barricadas, la APPO retomó la idea de la famosa anarquista Emma Goldman: "Si en tu revolución no se puede bailar, no me interesa tu revolución.”

La táctica de salir a las calles surgió hace unos 20, 40 años. Ahora está a la mano la tecnología. “Tomar los medios es ir más allá.” Alguien comentó en el público que la falta de acceso a Internet y otros tipos de tecnología mantiene a los pueblos en el retraso. Hay una gran población campesina que todavía es mayor que la urbana y que cuando se fundaron las ciudades era muchísimo mayor; sin embargo, los que vivimos en las ciudades "creemos que somos el centro del mundo". Nuestro invitado mencionó que "en el siglo XXI las temporalidades son distintas, la lógica cotidiana es distinta. Temporalidad es subjetividad", lo que desde un punto de vista se puede ver como "retraso ante el progreso" en realidad es otra temporalidad, es decir, otra subjetividad, otro punto de vista, otra manera de entender el mundo, “que justamente está siendo destruido por la idea de progreso”.

Se dijo también que en la sociedad mexicana "no hay cohesión social". Y es que “tenemos introyectada la historia como nos la han contado”, nos dice Julio. Podríamos entender la historia desde las rebeliones, es decir, "la linealidad del poder fragmentada" y “desde todos esos pequeños actos cotidianos de resistencia al poder y de goce de la vida desde nuestra propia autonomía más allá del dinero y el trabajo. Entonces hay mucha cohesión social y lo que no hay es libertad para expandirla pues su tope es el interés de la producción y el poder, eso fue lo que pasó en Oaxaca y es lo que sucede en cualquier lugar cuando el miedo a la autoridad desaparece”. Julio mencionó el capítulo "La acumulación originaria" del libro “Crítica a la economía política” de Karl Marx, que habla del surgimiento del sistema capitalista contemporáneo a partir de políticas violentas contra campesinos y artesanos. Cuando comenzó la Revolución Industrial, la gente vivía de la tierra, y no tenía necesidad alguna de dejar su autonomía para irse a trabajar en una fábrica y ser explotado. La reina Victoria entonces prohibió trabajar las tierras, entre otros decretos.

Cuando hablamos de la represión del Estado, un integrante del público, asiduo de nuestro cineclub, hizo una interesante aclaración, "El Estado es territorio-gobierno-sociedad. El que reprime es el gobierno; cuando se habla de que el Estado reprime, te acercas a la idea de la desaparición del Estado". Y la desaparición del Estado se puede ver de dos formas: como la visión neoliberal que adelgaza al Estado por medio del poder económico y mediático de las corporaciones, o como la visión anarquista de que el pueblo puede organizarse y gobernarse a sí mismo, sin necesidad de un gendarme. Algunos nos inclinamos hacia la segunda, pero esa ya es otra discusión. Para cerrar el punto, Julio recordó que "el neoliberalismo ha mercantilizado todo, hasta el Estado." Podemos mencionar como ejemplo el caso de López Obrador, que dio al capital todas las señales de ser confiable para administrar el país a pesar de no ser de derecha; o el hecho de permitir que las agencias de inteligencia estadounidenses operen en el país contra el narco, que se maneja como algo normal y necesario, y no como una falta de soberanía y una política entreguista del gobierno de Calderón.

Cuando alguien mencionó que "hay que despertar la conciencia de la gente", Julio respondió que sí, pero que también "la conciencia existe, siempre tratando de unificarse sola. Por eso hay policía." El tema de despertar las conciencias quizás debería mirarse como difundir la información y la verdad. Por ejemplo, hace pocos meses que salió de la cárcel Juan Manuel Martínez Moreno, integrante de la APPO, acusado en 2006 del asesinato del periodista de Indymedia Brad Will, quien fue asesinado por paramilitares. Fue sonado el caso del asesinato de Brad Will pero no la noticia del compañero encarcelado injustamente por su muerte, ni la de los maestros asesinados por la policía. De hecho, el gobierno reportó que no hubo muertes.

Sobre los maestros que se integraron en la APPO hay muchos mitos fabricados por los medios masivos. Ser maestro es una actividad subversiva en tanto que promueve el pensamiento crítico. Radio Plantón fue un gran eje del movimiento en Oaxaca, porque fue fundada por los maestros de la Sección 22 del SNTE al darse cuenta de que, en los estatutos del sindicato está estipulado que tienen el derecho de establecer una estación de radio. Cuando tiempo después la policía la destruyó, al día siguiente la gente tomó 12 radios comerciales.

¿Por qué tanta guerra sucia y ofensiva contra un pueblo tan bien organizado en la lucha contra el poder opresor? En 2006 Felipe Calderón acababa de usurpar la presidencia, y era reciente el escándalo de la red de pederastia descubierta por Lydia Cacho y encabezada por Jean Succar Kuri y Kamel Nacif, protegidos por el aún gobernador de Puebla, Mario Marín. O sea, la cadenita de poderdumbre se podía venir abajo si triunfaba la resistencia oaxaqueña, y lo que las autoridades cuidaron no fue la justicia, ni al pueblo, ni la educación, ni la verdad, sino solamente su permanencia en el poder a costa de lo que fuera. Y ahí sigue.

Se dice que el movimiento fracasó porque "faltó organización, faltaron contenidos en las estaciones tomadas". Pero “cualquier propuesta falla si el gobierno se la quiere chingar", igual que "la propuesta más chafa funciona si se tiene la actitud de construir horizontalidad y un proceso autónomo”. El movimiento en Oaxaca fue asfixiado, pero las miles de personas que le dieron vida siguen luchando. Oaxaca ya no es igual ni lo será nunca. ¡Oaxaca vive!

MARTES 8: Un poquito de tanta verdad

2010-06-04T13:45:00.000-07:00

Amigos,

Nuestra próxima proyección dentro del ciclo Redes sociales ante el poder de lo ilusorio documenta la resistencia de miles de maestros, amas de casa, indígenas, trabajadores de la salud, campesinos y estudiantes, muchos de ellos organizados en la Asamblea Popular de los Pueblos de Oaxaca (APPO), durante 2006 y 2007, que tomaron 14 radiodifusoras y un canal de televisión para organizar, movilizar, contrainformar y defender su lucha para obtener justicia social, cultural y económica:

Un poquito de tanta verdad

de Jill Friedberg

(EUA/México, 2007, 90')

El movimiento popular que estalló en Oaxaca en 2006 ha sido comparado con la Comuna de París y catalogado como la primera revolución latinoamericana del siglo XXI. El control de los medios masivos de comunicación fue una necesidad orgánica, no el resultado de un profundo análisis, que comenzó cuando el gobierno de Ulises Ruiz destruyó la estación de radio magisterial, Radio Plantón.

La directora estadounidense Jill Irene Friedberg estaba interesada en la educación pública de su país. Escuchó hablar sobre las movilizaciones magisteriales oaxaqueñas, visitó el estado, conoció a los profesores y decidió hacer un documental que estuviera particularmente enfocado en mostrarles a los mentores de su país que era muy parecida su situación a la que se vivía en México, y para que vieran cómo lo enfrentaban sus contrapartes mexicanas.

Fuente: http://noticias.kinoki.org/estreno-de-documental-un-poquito-de-tanta-verdad/

Esta noche, nuestro invitado especial es Julio Broca, un activista mexicano enamorado de la libertad que se ha especializado en la resistencia popular de Oaxaca. Pero su activismo no sólo se traduce en acciones y conferencias, sino también en su labor en el campo de la gráfica. El año pasado, Julio realizó el diseño de la publicidad del libro Memorial de agravios, que reúne la historia gráfica de la resistencia popular:

"Esta representación tan compleja y rica en estética de imágenes es única en los movimientos populares, no sólo de América Latina sino del mundo. Para algunos, al “término” de los movimientos sociales surgen efervescencias y propuestas culturales, pero en Oaxaca no sucedió así, pues desde su inicio la gráfica acompañó y nutrió la resistencia social, fue uno de los aportes para comunicar lo que se estaba denunciando hasta hoy." Rubén Leyva

Los esperamos este MARTES 8 DE JUNIO a las 20:00

Foro Hilvana

Colima 378

entre Salamanca y Cozumel

Col. Roma Norte

¡Abróchense los cinturones!

La corporación

2010-06-02T09:41:00.000-07:00

por Lila Nieto

Así como la gente va al cine para escaparse de su realidad, hoy en día el documental es el cine que la gente ve para involucrarse en asuntos sociales importantes.

Juan Francisco Urrusti, nuestro invitado de la noche, tiene una amplia experiencia en el campo. La mayoría de sus documentales abordan temas relacionados con los pueblos indígenas mexicanos, pues además de cineasta Juan Francisco es antropólogo, y su ágil memoria recuerda muchos documentales que profundizan en cada aspecto que La corporación aborda. Al final de esta nota, adjuntamos la lista de recomendaciones que nos hizo. Juan Francisco ha dado clases en el Centro de Capacitación Cinematográfica durante muchos años, y es co-organizador del festival internacional de documental "Escenarios" que se presenta en esa escuela cada dos años y del cual proyectamos una pequeña muestra el año pasado. También ha impartido talleres en otros países, ha sido jurado de diversos festivales, y director de la antes Comisión de Filmaciones del DF.

Una de las virtudes de este ensayo documental es "la diversidad de voces" desde distintas trincheras: Naomi Klein, periodista, economista y escritora canadiense que ha influenciado el movimiento antiglobalización y el socialismo democrático, autora de libros como La doctrina del shock (2007), historia no oficial del libre mercado; Howard Zinn, historiador social, politólogo y anarquista estadounidense, recientemente fallecido, autor de diversos libros incluyendo La otra historia de los Estados Unidos (1980), que cuenta la historia de ese país desde el punto de vista de los grupos marginados; Michael Moore, documentalista estadounidense conocido por su labor en contra de la globalización y la guerra, autor del famoso documental Masacre en Columbine (2002); Vandana Shiva, filósofa y activista hindú que ha luchado contra la privatización de las semillas y varias causas ecologistas, autora de libros como Manifiesto por una democracia de la tierra (2006), y Noam Chomsky, lingüista, filósofo, matemático y activista que se ha definido como anarquista, y cuyos diversos libros y artículos (como Los guardianes de la libertad, 1990, sobre los medios de comunicación) constituyen un acervo importante para quienes buscan una alternativa a las sociedades capitalistas.

En Canadá existe un fuerte movimiento crítico a este tipo de sistemas. Sobre los autores de este documental, Mark Achbar ha producido y dirigido más de diez documentales sobre temas como guerra, globalización, agua y los medios. Su primer documental, Manufacturing Consent: Noam Chomsky and the Media (1992), codirigido con Peter Wintonick, cerrará este ciclo en nuestro cineclub, e idealmente ayudará a redondear la reflexión en torno a nuestro tema, la importancia de las redes sociales ante la hegemonía mediática del capitalismo. Jennifer Abbott también es cineasta, y su más reciente trabajo es un documental sobre el papel de la religión en las guerras titulado La guerra de los dioses (2008). Achbar, Abbott, Wintonick y otros han movilizado a mucha gente a través de su labor en el cine documental.

Pero La corporación no sólo muestra la profunda inmoralidad de los medios y la rapacidad de los intereses económicos, sino que también deja ver algunas lucecitas. Por ejemplo, es muy interesante el personaje de Ray Anderson, el empresario que se da cuenta, el pecador redimido que se asume como "saqueador de la Tierra" para aliviar la culpa de darse cuenta de su responsabilidad en el desequilibrio ecológico. El hombre ético que emprende su cruzada hacia el "Monte Sustentabilidad" sin que nadie tenga que obligarlo, sino por convicción. Su empresa, dice, será totalmente sustentable para el 2020. El documental cierra con la reflexión que hace Michael Moore: alguien se levantará de su sofá y hará algo, lo que sea, para recuperar este mundo y ponerlo en las manos de las personas.

Las corporaciones mexicanas no son mejores que ninguna. Son sabidos los múltiples casos en que han financiado campañas mediáticas para censurar o destruir a sus enemigos. Los medios masivos de comunicación en vez de informar distraen nuestra atención hacia todas las frivolidades que se les ocurren. Y en este contexto, el documental cumple un papel fundamental en la necesidad de informarnos. Uno de nuestros asistentes enfatizó que la clave para decir que tenemos algo que hacer en este asunto parte de que somos un público. Somos las personas quienes debemos activar los cambios a través de nuestra participación. Hay que andar por esa grieta, esa falla de las sociedades modernas que cruza el sistema capitalista en el que la ambición llega al punto de que "te venderían la soga con la cual colgarse ellos mismos". En palabras de Juan Francisco Urrusti, "hay que desarrollar ese pensamiento crítico que desaparece cuando hay futbol. Podemos tomar los medios, ciudadanizarlos, democratizarlos." Recordó la lucha por el agua en Cochabamba, Bolivia, que evolucionó hasta la toma de poder de Evo Morales, pues las sociedades en resistencia encuentran maneras de tomar el control. "Hay que resistir a la uniformación. El mundo es rico justamente por esa diversidad."

También se discutió que en México "no tenemos la cultura de la participación", pero la esperanza de que esto cambie es que hay más información, más personas organizándose y mayor caos que obliga al cuestionamiento. Otro miembro del público dijo que primero tenemos que romper "el paradigma propio: ser urbano, por ejemplo. A partir de ahí lo demás es posible, pero lo importante es cuestionarse, darse cuenta."

Estas reflexiones son ciertas para muchos, para los que estamos más cómodos, pero también es cierto que la actitud democrática, el valor civil y la organización social han sido tradicionalmente blanco de fuertes opresiones por parte del gobierno en nuestro país. Fuera de la parte bonita de esta ciudad, muchas personas y comunidades son hostigadas, invisibilizadas y exterminadas de manera sistemática. Podríamos mencionar muchísimos ejemplos; algunos de los más conocidos son la matanza de estudiantes en 1968 y 1972, la masacre de Aguas Blancas, el asesinato de Digna Ochoa, el caso Lydia Cacho, la represión de la APPO en Oaxaca, los altos índices de asesinatos a periodistas, los altos índices de asesinatos y violaciones a indígenas y mujeres, y niños, la satanización de las causas populares, la actual situación en San Juan Copala y el asesinato de su líder, etcétera, etcétera, etcétera. Pero hay muchas maneras de participar en el cambio social, desde todas las trincheras: la educación, la salud, la política, el arte. También existen grandes ejemplos de organización, el más conocido es el EZLN y sus Caracoles, pero hay muchas redes que se organizan en el anonimato, en la marginalidad, muchísimas personas y organizaciones que han resistido desde siempre, que ya se dieron cuenta.

El documental está bien contado, bien editado. Las imágenes apoyan la narración de manera que el espectador pueda ser más activo. Es largo, pero "es más largo el proceso de hacer una película como esta," comenta Juan Francisco, "es el sacrificio y los ideales lo que llevó a esta gente a buscar apoyos para realizarla." Se puede ver en YouTube una entrevista a Mark Achbar: http://www.youtube.com/watch?v=Fqzuo6LcHSI.

También estuvo con nosotros la esposa de Juan Francisco, Ana Pino, escritora, ilustradora y guionista que ha colaborado con él en la mayoría de sus proyectos. Ella llevó la atención al tema de los pueblos originarios. Mencionó el libro "El México profundo, una civilización negada", del etnólogo y antropólogo Guillermo Bonfil, que habla de la permanencia de una civilización que el colonialismo quiso dar por erradicada. En esa obra, Bonfil habla de dos Méxicos, uno profundo que hunde sus raíces en una civilización milenaria, y uno imaginario, que toma sus aspiraciones de culturas ajenas a la propia. Ana piensa que "estamos tirando a la basura" lo que le da un corazón y un rostro propios a este pueblo. "Nuestra salvación es volver al origen, al valor de los pueblos originarios, de las tradiciones antiguas." Por lo menos hay que voltear a ver.

Los cambios sociales son lentos, decía alguien en el público, pero ¿serían tan lentos realmente si hubiera voluntad, la misma voluntad institucional que hay para destruir el sistema educativo, por ejemplo? ¿Sería tan lento si las personas realmente democratizáramos los medios y tomáramos las riendas de nuestro mundo? Los cambios son imposibles en tanto la gente crea que lo son. No importa de dónde seas, la causa es común: sobrevivir. Y fuera de la búsqueda de culpables, la responsabilidad también es común; quienes se dan cuenta de esto tienen la responsabilidad moral de transmitirlo.

Debemos mencionar también la labor de moderación en los debates. Nuestro sensei cineclubista, presente en la función, señalaba con el dedo su reloj y nos echaba ojos de pistola de vez en cuando. Moderar tiene su ciencia, incluso se han hecho concursos de moderadores en otros momentos de la historia. En este debate faltó moderar, pues de pronto los comentarios derivaron en una discusión política que, aunque surgió a partir del documental que vimos, se olvidó de ello por momentos. Sin embargo, también fue evidente que tenemos todos una gran necesidad de discutir estos temas que nos afectan cada día más y con los cuales no estamos muy seguros qué hacer.

Por último, se celebra el tono científico de este documental, que no descalifica al sistema capitalista desde ninguna ideología, sino que le da "sopa de su propio chocolate" con pruebas, y cuyo mensaje final es esperanzador, "casi una provocación". Dan ganas de hacer la revolución. Pero la verdadera, la única posible y de la cual parten todas las otras: la revolución en uno mismo.

Aquí, la lista de documentales que mencionó Juan Francisco a lo largo de la plática:

El caso Coca-Cola (Canadá, 2009)

El asalto del bien común (Canadá, 2002)

La pesadilla de Darwin (Austria, Bel, Fin, Can, Fra, Sue, 2004)

Manufacturing Consent: Noam Chomsky and the Media (Can, Aus, Fin, Nor, 1992)

Fierce Light: When Spirit Meets Action (Canadá, 2008)

Why we Fight (EU, Fra, Can, UK, Din)

Memoria del saqueo (Argentina, 2004)

La gran venta (Alemania, 2007)

Cocalero (Arg, Bol, 2007)

Profit Motive and the Whispering Wind (EU, 2007)

La plática se cerró con una pregunta, ¿qué materiales podemos encontrar que hagan un análisis de lo que sucede en México? Hay mucho por hacer, México es virgen en muchos aspectos. La filmografía de Urrusti nos puede dar un poco de luz en nuestro camino de regreso al origen. Programaremos algo de su obra en este espacio.

Por lo pronto, los esperamos el próximo MARTES 8 de JUNIO 2010 a las 20:00 con un documental sobre la toma de las estaciones de radio durante la resistencia de la APPO en Oaxaca en 2006-2007:

Un poquito de tanta verdad

de Jill Friedberg (EUA, México, 2007, 90 min.)

Nuestro invitado de la noche, Julio Broca, activista mexicano que ha estudiado a fondo el tema de la resistencia en Oaxaca.

¡Abróchense los cinturones!

Foro Iberoamericano de Cineclubes Comunitarios

2010-06-02T01:30:00.000-07:00

ACLARACIÓN PÚBLICA

MÉXICO
La Secretaría de Cultura del Gobierno del DF (SCGDF) en conjunto con la A.C. Circo 2.12 realizarán un “foro iberoamericano de cine clubes comunitarios” en la primera semana de junio de 2010. Es de extrema relevancia para el movimiento cineclubista capitalino que se aclaren los antecedentes de ese evento.
Antecedentes
En octubre de 2009 Gabriel Rodríguez presentó ante la comisión de la Capital Iberoamericana de Cultura de la SCGDF, una propuesta a nombre de Jinetes Sampleadores de Imágenes A.C. para realizar el V Encuentro Iberoamericano de Cineclubes, que desde 2004 ha organizado con el Grupo Latinoamericano de la Federación Internacional de Cine Clubes. No obtuvo respuesta.
A mediados de diciembre de 2009 actualizó la propuesta para llevar a cabo el VI Encuentro Iberoamericano de Cineclubes, ya que el V se celebraría en enero de 2010 en Brasil. El 11 de diciembre de 2009, una responsable de la Capital Iberoamericana acusó de recibida la propuesta en un correo electrónico. Hasta hoy no hubo ninguna comunicación oficial al respecto.
En enero de 2010, la publicación cultural Chilanguía (adjunta) dio a conocer la cartelera de eventos previstos para ser apoyados en el marco de Capital Cultural Iberoamericana. En el recuadro dedicado al cine, apareció el V Encuentro Iberoamericano de Cineclubes.
El 23 de abril de 2010, en La Jornada se anunció “Distrital”, una semana de cine en la Ciudad de México que iría acompañada de un “foro iberoamericano de cine clubes comunitarios” organizado por la SCGDF y la A.C. Circo 2.12.
Reivindicación de la autonomía cineclubista
Criticamos a la institución y a las personas que actuaron con prepotencia, al despojar la idea del Encuentro Iberoamericano de Cineclubes dando lugar al llamado “foro iberoamericano de cine clubes comunitarios”. De acuerdo con su programa presentado en la conferencia de prensa el 22 de abril de 2010, cabe resaltar que en sus 10 mesas redondas, apenas uno de los participantes es un cineclubista. Sólo en el último día aparecen los cineclubes comunitarios, pero no en una mesa redonda, sino en una presentación de la SCGDF.
Si gran parte de los invitados son empleados de la SCGDF, productores, cineastas, guionistas, gente del mundo de la distribución y algunas destacadas personalidades del cine universitario, ¿por qué llamar el evento de foro iberoamericano de cineclubes comunitarios y no foro iberoamericano de cine?
De ninguna manera esta aclaración va en contra de que haya eventos en los que se discuta la cultura en todas sus manifestaciones, pero justamente se reivindica la autonomía del movimiento cineclubista que en los últimos años se ha ido retomando en la Ciudad de México.
Somos el público.
Apoyan esta aclaración pública
Antônio Claudino de Jesus – Conselho Nacional de Cineclubes/Brasil
Centro Cultural Yaneramai/Bolivia
Cineclub Jaime Casillas/México
Cineclub Bravo/México
Cineclub Central del Pueblo/México
Cineclub Cinema Calavera/México
Cineclub Cinema Emiliano Zapata/México
Cineclub Cochitlehua/México
Cineclub En nuestra comunidad el cine como en el cine/México
Cineclub Nikté/México
Cineclub Santos Degollado/México
Cineclub Vórtice/México
Cineclubes del Foro Arteria/México
Cine Mixe/ México
Colectivo ArteNativo/México
Conferencia Mundial del Cineclubismo/México
Cristina Marchese – Federación Argentina de Cine Clubes y Grupo Latinamericano de la FICC
Felipe Macedo – cineclubista Brasil/Canadá
Fernando Henríquez – Federación de Instituciones Cinematográficas de Uruguay
Golam Rabbany Biplop – Grupo Asiático de la FICC y Secretario de la FICC/Bangladesh
Jinetes Sampleadores de Imágenes A.C./México
Julio Lamaña – Federación Catalana de Cine Clubes
Laura Godoy – Cinemateca Nacional de Ecuador
Paolo Minuto – Presidente de la Federación Internacional de Cineclubes FICC/Italia
Red de Microcines Bolivia
Robert Richter – Cine-libré/Suiza
Sandra Ortega – periodista mexicana
Tuck Cheong – Grupo Asia-pacífico de la FICC/Malasia
Yenny Chaverra – cineclubista Colombia

Adjunto: Carta del Consejo Nacional de Cineclubes de Brasil

Publicado en: Mundokino

MARTES 1°: La corporación

2010-05-27T20:58:00.000-07:00

Amigos, para comenzar el ciclo de documental Redes sociales ante el poder de lo ilusorio, les presentamos

LA CORPORACIÓN (Canadá, 2003, 145'), de Mark Achbar, Jennifer Abbott y Joel Bakan, un documental interesantísimo que estudia la dinámica de funcionamiento de las grandes corporaciones, tan parecido a la mente de un psicópata, para mantener su poder económico.

Nuestro invitado de la noche: Juan Francisco Urrusti, cuya labor en el campo del documental y la antropología social ha explorado diversos aspectos de la cultura mexicana y las ha compartido con el mundo en festivales de varios países y escuelas como el Centro de Capacitación Cinematográfica.

Ustedes quizá conozcan algunas de sus películas, como El pueblo mexicano que camina (1996), nominado al Ariel y que sigue las peregrinaciones del 12 de diciembre; Encuentros de medicina maya (1987), también nominado al Ariel, y Tepú (1995), que muestra un ritual huichol para aliviar el enfermo ambiente de la ciudad. Curiosamente, Juan Francisco obtuvo un Ariel con el mediometraje de ficción La vieja que arde (1985).

Los esperamos este MARTES 1° de JUNIO 2010 a las 20:00 (mejor lleguen diez minutos antes porque empezaremos en punto de las ocho).

Foro Hilvana

Colima 378

entre Salamanca y Cozumel

Col. Roma Norte

México, DF

¡Abróchense los cinturones!

JUNIO: Redes sociales ante el poder de lo ilusorio

2010-05-27T01:16:00.000-07:00

Queridos cinéfilos,

Durante junio proyectaremos un ciclo de documentales en colaboración con el festival Underfilms.

El ciclo se titula "Redes sociales ante el poder de lo ilusorio", pues los materiales muestran una probadita de cómo funciona el sistema político y económico de las corporaciones, y cómo las personas de distintos países crean otras maneras de vivir dignamente al margen (o debajo de la bota) de un sistema de poder y dominación que ha creado un mundo ilusorio a través de los medios de comunicación. El ciclo también mostrará una manera de concebir los programas gubernamentales de asistencia social muy distinta a la que conocemos en México.

Estarán con nosotros en los debates documentalistas, sociólogos, activistas y un médico que compartirán su saber y su experiencia con ustedes.

Mesa Redonda

El 29 de junio presentaremos una mesa redonda con el fin de cerrar la reflexión de este interesante ciclo. En la mesa estarán Julio Broca, activista, alpinista, diseñador, sociólogo, quien hablará sobre resistencia y horizontalidad; Larissa Rojas, cineasta, documentalista, ecologista, directora del festival Underfilms, que abordará el tema del documental como formador e informador de las redes sociales de resistencia; Agustín Martínez, diseñador, cineasta, cineclubista, director de la asociación civil Bicitekas, Agustín ganaría el trofeo a la mayor cantidad de horas de video grabadas sobre una bicicleta, y nos compartirá su experiencia en proyectos de ciclismo urbano, y Gabriel Rodríguez, cineclubista, historiador, escritor, que nos hablará sobre el cineclubismo como formador de públicos, y de los públicos como redes sociales, y sobre la red alterna de distribución Cinesud.

María y yo intentaremos moderar esta explosiva combinación.

¡No se lo pierdan!

Morenita

2010-05-26T09:57:00.000-07:00

por Lila Nieto

Algo que hace "atípica" esta película es que Alan Jonsson construyó una historia utilizando elementos de la realidad que nos circunda cotidianamente: el símbolo de la virgen de Guadalupe, el narcotráfico, la falta de dinero, la solidaridad en la familia y la corrupción del sistema judicial. Sin embargo, esta ficción logra conjuntar estos elementos en un thriller que se escapa del tono "oscuro y chillón" que llegó a caracterizar el cine mexicano, sino que construye una historia fresca, creativa y entrañable: un retrato del pueblo mexicano, o como dijo Alan, "un drama familiar". Se disfrutan las actuaciones, las hermosas tomas aéreas, los atardeceres dorados de la ciudad, las bien elegidas locaciones, el ritmo de trote que se sostiene de la mano con la banda sonora y la magnífica edición. Morenita obtuvo 12 premios en distintos festivales del mundo.

La idea del guión en realidad surgió de una noticia sobre el robo de ciertas piezas arqueológicas de cuyo paradero nadie nunca supo nada, hasta que un día simplemente aparecieron devueltas anónimamente. La historia se fue transformando y se filmó en el quinceavo tratamiento. Cuando la película se estrenó, un escritor de San Luis Potosí acusó a Alan de plagiar su novela. El escritor no quiso mostrarle su libro a Alan, quien lo buscó hasta dar con unos fragmentos en la UNAM, y dijo que la historia sólo se parece porque en ella también se roban el lienzo de la virgen, pero que él ni siquiera la conocía. Después de muchas llamadas, "licenciados" y un careo en el juzgado, el caso se resolvió y Alan se enteró de que ahora "ya no existe" el delito por difamación, plagio o calumnia. Habría que consultar la ley de Derecho de Autor para verificar los detalles de esta información.

La sorpresa de la noche fue que no llegó Ozcar pero sí llegaron dos de los actores: Everardo Arzate, que le hace del furibundo y explosivo Pinto, y Horacio García Rojas, que sale de Mateo, el que se roba el lienzo de la Virgen. Tanto Everardo como Horacio se formaron en el teatro, y Morenita es el primer papel principal en cine que ambos realizan. El elenco fue elegido con mucho tiempo de anticipación, lo cual dio espacio suficiente para que los actores construyeran su personaje y también las relaciones entre personajes. Horacio comentó que en algunas filmaciones "no hay ensamble actoral; los directores se fijan en lo técnico, en las cámaras, y no trabajan con los actores", y este problema en la dirección se nota en la pantalla, "siempre hay dos o tres negros en el arroz".

Ellos agradecieron el método de Alan, pues comenzaron a trabajar el proyecto con dos años de antelación. De ese modo, dijo Horacio, "puedes hacer un personaje que no seas tú mismo". Alan creó un ambiente en el que los actores no siguieran instrucciones a ciegas y en favor de la estética visual, sino uno donde pudieran aportar su experiencia como creadores en su campo de trabajo.

Ausente de las pantallas durante 14 años, el actor Ignacio López Tarso, que interpreta al abuelo de Mateo, obtuvo un premio en el festival Tregor de Estrasburgo, Francia. El personaje que interpreta es muy interesante: un anónimo jefe de mantenimiento de la Basílica de Guadalupe que en su juventud fue militar y luego se sumió durante años en el alcoholismo para finalmente encontrar la paz en dios, la familia y el trabajo.

Para filmar las escenas de las palomas, Jonsson y su equipo armaron el emblemático palomar con la ayuda de un experto: un colombófilo. "Fui con don Ignacio un par de veces", dice Horacio, "las palomas son bastante inteligentes y nobles", por lo que logró entenderse con ellas. Las escenas de palomas muertas o heridas se grabaron de una forma no aceptable para las personas: las pusieron hasta las chanclas de sedantes, y sólo una se murió del pasón.

Sobre cómo filmaron la megaconcentración de gente afuera de la Basílica de Guadalupe tras el hurto del lienzo sagrado, fue sencillo: Alan y su equipo fueron a filmar un 12 de diciembre. Aún así, contrataron un montón de extras. Para grabar los interiores tuvieron que construir un foro.

Antes de que se estrenara la película, Alan escuchó los testimonios de otros directores mexicanos que le vaticinaron horrores en la exhibición. Le dijeron cosas como, "uy, te va a ir en feria, mano", "no creo que recuperen la inversión, ya ves lo que me pasó a mí...", "seguramente faltará publicidad". Alan se negó a creerlo, pensando que el amarillismo y el derrotismo no llevan a nada, que todo saldría bien, que no tendría por qué suceder siempre lo peor. Pero pasó exactamente lo que le dijeron sus colegas. Pocas personas se enteraron del estreno de la película, cuando la gente iba al cine a buscarla se confundía de sala porque en la entrada habían puesto el cartel de otra y los encargados del cine no sabían bien a qué sala mandarlos, los boletos eran diferentes a los normales (esto no sé por qué), el distribuidor no se preocupó por cuidar que su publicidad estuviera bien colocada ni por vigilar la correcta proyección de las 180 copias que se mandaron hacer, y por supuesto la película estuvo muy poco tiempo en cartelera, de modo que cuando la gente comenzaba a enterarse de su existencia, ya no estaba en exhibición. Morenita tuvo solamente cien mil expectadores, que equivalen más o menos a la sexta parte de lo necesario para recuperar la inversión de 32 millones de pesos, por lo cual esto sólo sucederá a largo plazo. Próximamente Morenita se exhibirá en Colombia (qué ironía, por lo del colombófilo). También la pidieron en Estados Unidos, pero la distribuidora decidió no meterse en ese lío. En el debate varios pensamos que habría buen público entre la comunidad latina de allá.

Alan piensa que el cine "no se hace para resolver los problemas sino que puede simplemente plantearse una pregunta". Nos relató su experiencia al encontrar en YouTube una bola de comentarios negativos sobre por qué su película era una porquería y no valía la pena verla, que atentaba contra la virgencita, además de que pintaban a Alan como una especie de "pelafustán", como si fuera de verdad... me recuerda la historia del tío que se hizo asiduo a las proyecciones cuando el cine llegó a Durango allá por los años cuarentas; una vez reconoció a un actor que ya había visto, y le dijo a su compadre, "Oiga, pero, ¿qué a ese no lo habían matado ya?" "Sí, compadre, pero no es de verdad, están actuando." El tío, profundamente decepcionado, salió del cine a grandes zancadas para no volver jamás. Pero hablando de Morenita, Alan decidió meterse al foro de YouTube con una identidad falsa para preguntar si por lo menos habían visto la película aquellos que la atacaban... podrán imaginarse la respuesta. Muy revelador.

Existen todavía ciertas ideas sobre el cine mexicano. Las más comunes son que es "oscuro y chillón", que "los guiones son malos", que "siempre salen los mismos actores" y que "en México no hay el know-how". Dice Alan, "los gringos saben diseñar escenas", hasta en la película más chafa, y esto es verdad. Pero, si bien estas quejas aplican a muchas cintas, a casi todo lo que se hizo por lo menos en los años ochentas y noventas, estas tendencias se transforman cada día más. El cine mexicano está creciendo, los autores están aprendiendo velozmente cómo contar historias, hoy un guionista puede considerar la posibilidad de vender su guión y verlo en pantalla (ya se abrió la primera agencia de guiones en México), hay una diversidad de historias, hay mayores apoyos de Imcine e incentivos fiscales, y se siente el aliento de la vida en muchas cintas nacionales. También, los directores ya no hacen una película cada diez años, sino que tienen oportunidad de filmar con mayor regularidad, lo que permite que ejerciten su oficio y que surjan nuevos autores y rostros en el cine mexicano. Lo que pasa es que todavía falta mucho trecho por andar.

Se habló de varios factores que detienen el desarrollo de la industria cinematográfica mexicana. Lo primero es el ya mencionado prejuicio del público. Este desconocimiento es el último eslabón de una cadena complicada de acontecimientos desafortunados. Por un lado, el sistemático sabotaje de las exhibidoras -fuertemente presionadas por el mercado hollywoodense-, el descuido de las distribuidoras y la ausencia de leyes que protejan y fomenten su desarrollo no permite que la gente se entere de las películas a tiempo. Pero a Jonsson le sucedió una cosa que es de llamar la atención. La Cineteca Nacional rechazó su película, suponemos que por considerarla comercial dado que ese foro favorece el cine de arte, de autor, el que no sobrevive en el circuito comercial. Lo que pasa entonces es que el cine mexicano comercial no tiene mucha cabida ni en el circuito de exhibidoras ni en los foros alternos (a menos que lo promocionen desde los púlpitos). Con todo, el valiente Alan Jonsson espera realizar su siguiente película, no en diez años, sino en uno.

Esto es todo por ahora. El próximo martes comenzaremos un nuevo ciclo, esta vez de documental, titulado Redes sociales ante el poder de lo ilusorio, en el que revisaremos lo que la gente organizada hace ante la manipulación mediática de las grandes corporaciones.

Los esperamos en el Foro Hilvana los martes a las 20:00.

MARTES 25: Morenita, el escándalo

2010-05-22T13:43:00.000-07:00

MARTES 25 de MAYO 2010

MORENITA, EL ESCÁNDALO

Dir. Alan Jonsson

Guión: Alan Jonsson y Annabel Oakes

(México, 2009, 92 min.)

Proyección a las 20:00

Una película controvertida por andarse metiendo con la virgencita. Una exótica ensalada de creencia, narcotráfico, humor y suspenso.

Estará con nosotros en el debate Alan Jonsson, el autor, cuya ópera prima es una película de misterio producida en EUA en 2000 y que se titula Knowing, y que tiene también experiencia como productor. Nos acompañará igualmente Ozcar Ramírez, quien coprodujo esta película con Alan y ha producido diez películas en total, como Club Eutanasia (2005) y Cumbia callera (2007). Ozcar y Alan han trabajado juntos en la producción de dos películas además de esta. Veamos qué dice esta dupla de jóvenes cineastas en el debate después de la función.

¡Los esperamos desde las 19:30!

Purgatorio

2010-05-19T09:56:00.000-07:00

por Lila Nieto

Es profundo el poder de la experiencia sensible, porque dice todo con pocas palabras y sin querer impresionar a nadie, sólo un transmisor de información pura y simple contenida en una imagen como en una gota de agua, una gota detrás de otra, con palabras y silencios. Poesía.

Purgatorio está conformado por tres cortos que se filmaron por separado en un período de diez años: Paso del norte (2002), Un pedazo de noche (1995) y Después de la muerte (2005), pero más que eso, es una película realizada cuidadosamente por seres sensibles. Elías Nahmías es un ser sensible. Es algo así como un samurai cinematográfico con alma de escritor. Un viajero que sigue los cables para llegar al set. En el cine ha hecho "todo menos cortar el pelo". Tomás Pérez Turrent, que en paz descanse, fue uno de los pocos críticos de cine que ha habido en México, escribió el guión de la famosa película Canoa, de Felipe Cazals, fue maestro de escritores en Sogem. Roberto Rochín tiene una vasta cultura visual. La imagen está muy cuidada en esta película, y esto no sólo se debe a que Rochín haya querido homenajear a Gabriel Figueroa, al Indio Fernández, a Alejandro Galindo, sino también a que entre él, Tomás y Elías lograron traducir a Rulfo en esas imágenes, en los diálogos que se parecen a los suyos, en la elección de los cuentos. En esta película no se eligieron los cuentos más conocidos de Rulfo, los de El Llano en Llamas, los que suceden en el campo. El hilo conductor que los une no sólo es "la onírica pesadez de la muerte" sino los personajes perdidos que provienen del campo y migran. A la ciudad, al otro lado, a una hacienda en otro pueblo. Personajes que migran para escapar de la miseria, pero cuyo destino trágico los alcanza de todas maneras.

Elías se fue de México muy joven porque acá no había trabajo. Llegó a Los Ángeles y comenzó a seguir los cables. Recuerda que cuando se fue despreciaba el cine mexicano, y estando allá le sucedieron dos cosas: comenzó, quizás por nostalgia, a ver cine mexicano, y entró en contacto con la cultura de la frontera. "Ahora, una de cada cinco películas que se hacen es sobre la frontera, pero no se ha hecho LA gran película sobre la frontera. Bajo California es muy buena." Entonces alguien en el público recordó también el documental Los que se quedan, de Juan Carlos Rulfo, el mismísimo hijo de Juan Rulfo, y la recientemente saboteada en cartelera Norteado, que fue premiada en un montón de festivales en todo el mundo, incluyendo uno de mejor edición en los Arieles. Esa no la he visto, la quitaron demasiado pronto de los cines.

"Uno no va al cine para entretenerse, sino para reconocerse (...) Ahora los cineastas copian a otros cineastas, y no se inspiran en la realidad (...) Hay buena literatura en México, y se adapta poco (...) Tienes que revisar tu realidad. No puedes inventar el cine a partir de ti mismo (...) Si viéramos el cine mexicano de los cuarentas y cincuentas nos ahorraríamos mucho tiempo. El cine del Indio, el de Galindo."

Es interesante pensar en estas palabras. El cine mundial adapta muchísima literatura y teatro. Sobre la adaptación, él piensa que el cuento funciona mejor en las adaptaciones que la novela, porque tiene ese efecto de gancho al hígado, esa síntesis que lo hace redondo. "Rulfo se ha adaptado antes, y se puede seguir adaptando". Da para mucho. No sólo fue escritor, también fue un gran fotógrafo. Hay fotografías suyas que "son mejores que las de Álvarez Bravo". Y ese ingrediente quizás es lo que hace tan cinematográficas sus historias, tan llenas de contenido las imágenes. Elías adaptaría Pedro Páramo "con una cámara casi amateur, algo muy primitivo como la novela".

El lenguaje del cine es según él más cercano a la pintura y a la fotografía que a la literatura o al teatro. "Todos los días se suben cincuenta mil videos al You Tube, y se toman más fotografías que en toda la historia de la fotografía". Revisar la realidad no sólo significa leer el periódico. Elías ya no lee El Proceso porque "es tanto dolor, que nosotros los seres sensibles..." (y se lleva la mano al pecho). También se puede revisar la realidad al fugarse de ella, a través del arte, de la literatura, del teatro, de las manifestaciones de otros espíritus sensibles distintos a nosotros que de todos modos se desprenden del contexto en el que surgen, a veces con mayor fuerza que la imagen cruda e inmediata. Los hombres somos seres simbólicos.

Sobre el guión, Elías no trabajó con Tomás Pérez Turrent directamente. El proceso de este proyecto comenzó con la elección de cuentos por parte de Rochín, que se los dio a Tomás para que hiciera la adaptación. Cuando éste le entregó el resultado, Rochín se lo pasó a Elías para que lo revisara. Él comparó los cuentos de Rulfo con el guión de Pérez Turrent y se dio cuenta de que Tomás había dejado fuera cosas importantes, así que trabajó sobre las adaptaciones de su amigo para lograr el guión final. Pero al principio sólo se trataba de adaptar los cuentos por separado, y fue al terminar el primero de los cortos, Paso del norte, cuando Rochín y su equipo decidieron hacer el largo. Era la época en que tuvieron éxito películas como Amores perros y Nicotina. Pero estos tres samurais querían mostrar otra visión de México distinta a esa en la que los personajes van con pistola dando tiros por la calle, al estilo hollywoodense. Querían hacer un homenaje al cine mexicano de los cuarentas y cincuentas.

En esta ocasión debo hacer mención del público que asistió a la proyección de Purgatorio y se quedó al debate con Elías. El público de la noche fue gourmet, de primera calidad, un público activo y receptivo, crítico, sensible. Una directora de teatro con ojo de águila para los actores que decidió esta noche venir al cineclub en vez de ir a una de todas esas obras que quiere ver y que también se presentan los martes. Un informático que se perfumó para llegar a la función de gala y que la semana pasada también nos dio aventón de regreso. Un melómano que ha visto tanto cine y tanta ópera y recuerda un video del temblor del '57. Un promotor cultural que nos ofrece un espacio semanal en el radio para anunciar nuestra programación (Radio Vox, 1440 AM, los martes a las 12 del día). Un diseñador que lleva poco tiempo trabajando en una productora. Lauro, Nora, Javi, hilvanadores del foro, y nosotras, las del cineclub. Había de qué hablar y en la plática se sentía el placer del intercambio. Un debate no se trata necesariamente de escuchar al expositor o rescatar todos los puntos buenos de la película, sino que también incluye el análisis crítico de la obra, lo que no salió bien y la historia de atrás. Todos somos el público.

La directora de teatro criticó la actuación del primer corto, Paso del norte: "cae en el melodrama cuando Rulfo es tragedia", dijo, y recordamos lo que mencionó Elías al introducir la película: "Rulfo encontró la tragedia griega en el campo mexicano". Estuvimos de acuerdo con ella, "sólo en las mexicanas los personajes gritan cuando los balacean". También, la transición entre la segunda y la tercera historia es muy fina, y el primer corto sale sobrando para la teatrera. Y eso que mucho se corrigió en la mesa de edición. El primer corte funcionaba más o menos bien, luego llegó un editor joven que destruyó lo salvable, y el cambio de editor arregló el desastre para dejar el resultado que vimos en la pantalla. Elías piensa que se le podría ayudar más. Un editor no sólo debe cortar y pegar; "te engolosinas cortando, pero nunca debes olvidar que lo importante es la emoción", es contar la historia sin cortar un momento de emoción narrativa en pro de las tijeras. El ritmo lo da la emoción, no los cortes, piensa, y se acuerda de la editora de Coppola, que busca el fotograma o la escena central de un segmento y a partir de ello construye, poniéndole antecedente y consecuencia. Elías ha aprendido mucho sobre guión escuchando los podcasts de entrevistas que se publican en Creative Screenwriting, muy recomendables. Con todo, esos largos y acartonados alaridos de los balaceados en Paso del norte a mí me remitieron a la estética del cómic, un cómic mexicano que me llevó a tocar ese tiempo pasado, esa postal amarillenta de la memoria de otros, ese blanco y negro con fuegos artificiales a color, la fiesta de la miseria.

También se criticó la pata de la que muchas veces ha cojeado el cine mexicano: el sonido. Había diálogos que me hicieron extrañar los subtítulos. Elías recuerda haber visto versiones en las que se escuchaba mejor. Y aquí entra el delicado tema de la exhibición. Uno piensa que poner una película es meter el disco en el DVD y picarle play, pero el puesto del cácaro es de gran importancia, debería haber diplomados, carreras técnicas para cácaros. Esta vez tuvimos algunos problemas de proyección: la imagen misteriosamente se agrandó en el transcurso de la semana, y era más larga que la pantalla, cosa que no pudimos corregir en el proyector, así que enrollamos la pantalla y proyectamos sobre la pared. Eso quedó muy bien, no había clavos. Pero el audio tiene sus bemoles cuando lo controlas desde una consola llena de perillitas, botoncitos, numeritos, cables extraños y un interruptor de autodestrucción, y cuando el ingeniero que no pudo venir dio instrucciones telefónicas que seguimos a los tumbos para lograr un audio que sólo sonaba de un lado y no era muy nítido. Llegué a extrañar nuestro estéreo viejo de la sala de Sogem que ahora recuerda sus buenos tiempos en el cuarto de mi azotea. Estas cineclubistas se están ajustando al nuevo lugar y deben aprender a proyectar sin tropezones en su nueva casa. El ejercicio del cineclub también involucra la calidad en la exhibición. Todos somos el cácaro.

En Un pedazo de noche, la segunda y mejor lograda de las historias, una prostituta vaga por la noche con un sepulturero que ha rescatado de la cantina al bebé de su compadre. El homenaje a la fotografía de Figueroa y al cine de Galindo es muy claro en esta historia, pero también es clara la finura del guión y la elegancia de las imágenes. "Qué tal ese primer plano de Dolores Heredia. Nunca la había visto tan bien fotografiada, tan hermosa." "Y él está genial, cuando le dice: 'nunca quieras a nadie'." "Y la escena en la que caminan al revés en el reflejo del charco, y pasa una bicicleta... jíjole, se la mamó, eh?"

Esta historia es definitivamente la mejor, la más poética, en blanco y negro de ébano, con los faroles y los faros amarillos, la luna baja e irreal de grande. Una voz en off muy bien utilizada -en las tres historias es muy acertada la voz del narrador. Recordamos también los narradores de Barry Lyndon, Sunset Boulevard, algunas de Woody Allen. Lo único que yo no entendí en Un pedazo de noche fue que al principio ella, la puta de muchos nombres y ninguno, dice que el sepulturero era el hombre que después sería su marido, pero la historia construye un amor imposible. Quizás ella lo sueña. Quizás al final simplemente se muere.

Y cómo es el mundo de la publicidad que casi todas las imágenes que se encuentran en Internet cuando buscas Purgatorio son de la tercera historia, de la diva Ana Claudia Talancón y Pedro Armendáriz Jr. Sólo encontré una imagen de Paso del norte (en el párrafo correspondiente) y tres de Un pedazo de noche (dos de ellas aquí arribita).

La tercera historia es la única de las tres que se filmó a color. Por eso a las dos primeras se les aplicaron algunos muy finos y bien elegidos pincelazos en la postproducción: las luces amarillas de los faroles, los fuegos artificiales detrás de la catedral, una sábana iluminada a contraluz, alguna otra cosita. Pero decía del tercer corto, Después de la muerte, donde el fantasma del arrepentimiento acecha a don Julio, el fantasma de Cleotilde, la bella fetichizada, que se casó con él sin amarlo y le negó su cuerpo para ofrecerlo a todos los demás, Cleotilde con la vida "tan delgadita"... Ana Claudia resplandeciente en la pantalla y una tragando pálomas.

¿Y por qué esta película se llama Purgatorio? Juan Rulfo dice en sus cuentos que el cuerpo es la prisión del alma.

Los esperamos el próximo martes con la proyección de

MORENITA

de Alan Jonsson

(México, 2009, 90 min.)

Estarán con nosotros en el debate Alan Jonsson, director, y Ozcar Ramírez, productor. Proyección a las 20:00.

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 18: Purgatorio

2010-05-17T00:05:00.000-07:00

Queridos amigos,

Los invitamos a nuestra siguiente proyección, un filme que se basa en tres cuentos de Juan Rulfo y que se desarrolla en el México de los años 50. Ganadora del premio Free Spirit en el Festival Internacional de Cine de Varsovia en 2009, les presentamos

PURGATORIO

de Roberto Rochín

escrita por Elías Nahmías

y Tomás Pérez Turrent

(México, 2008, 96 min.)

Nos acompañará en el debate Elías Nahmías, quien trabajó junto con Tomás Pérez Turrent y Roberto Rochín para lograr el guión de esta película. La trayectoria de Elías en el mundo del cine incluye cuatro guiones más, todos dirigidos por Roberto Rochín, entre los que destaca el cortometraje Paso del norte, que coescribió con Pérez Turrent y el largometraje Después de la muerte. Pero también ha trabajado como operador de cámara, editor, continuista, coordinador de producción, asistente de dirección y diversas otras actividades en producciones como Diez historias cortas de amor (asistente de dirección), de Rodrigo García; ¿Quién diablos es Juliette? (coordinador de producción), de Carlos Marcovich, y Los motivos de Luz (asistente de dirección), de Felipe Cazals.

Los esperamos este MARTES 18 DE MAYO a las 20:00.

¡Abróchense los cinturones!

Por la libre

2010-05-16T23:50:00.000-07:00

por Lila Nieto

Una película que habla sobre el fin de la adolescencia, cuando los jóvenes resultan más maduros que sus padres y la vida se vive en presente, Por la libre trata de manera fresca y divertida las relaciones familiares entre tres generaciones. También, se puede ver en ella a un personaje muy representativo del trabajo del guionista, Antonio Armonía: un muerto que emprende un viaje. Este guión se filmó en el octavo tratamiento.

La ridícula moralina mexicana se hizo presente desde la primera rueda de prensa en la que se le preguntaba al director por qué tocaba "temas tan fuertes como las drogas y el incesto" y no se comprometía. Juan Carlos de Llaca respondió, "el compromiso es con la historia". Toda obra maneja valores, y éstos no pueden tratarse aisladamente, no deben tocarse de manera didáctica y aleccionadora. Esto sólo desemboca en el aburrimiento, el acartonamiento y la deshonestidad. La autora de esta reseña no deja de sorprenderse de que una película tan suavecita como esta haya despertado la alarma cuando vivimos en un país tomado por el narcotráfico y por gobernantes que participan impunemente en redes de prostitución infantil, por mencionar sólo dos detallitos.

De Llaca realizó un trabajo muy interesante con los actores, la mayoría de los cuales tenía poca experiencia. Decidió no mostrarles el guión sino hasta cinco días antes del rodaje para evitar que el trabajo se volviera "muy racional". Durante el casting, a los actores se les pidió que improvisaran libremente ante la cámara durante aproximadamente dos minutos, sólo para darse cuenta de su energía, de su expresividad, de su personalidad. Ya elegido el elenco, Juan Carlos se dedicó a realizar improvisaciones de tipo teatral en busca de la espontaneidad, con puntos de partida similares a las situaciones del guión. De esta manera, los actores lograron la construcción de sus personajes "sin darse cuenta". Durante el rodaje, De Llaca incorporó algunos elementos de las improvisaciones. La filmación fue bastante ágil gracias al trabajo previo con los actores, pues "los personajes ya estaban muy bien construidos".

Alguien preguntó por qué se llama Por la libre si los personajes se van por la carretera de cuota. Quizás sea justamente por eso la broma, pero Juan Carlos confesó que hubiera sido mucho más problemático filmar en la carretera libre, pues está llena de curvas, pueblitos, perros, topes y vendedores de refrigerios. El equipo de filmación hubiera sido una ondulante caravana de carros entre los cerros: el carro de los protagonistas, el carro con la cámara, el carro de vestuario, el carro de fierros... en la carretera de cuota las escenas de viaje se filmaron en un día y medio, cosa que hubiera sido impensable de otra manera. No olvidemos que hacer cine tiene un importante elemento práctico.

Cuando se hizo esta película no existían los apoyos de Foprocine y Fidecine. El Imcine apoyaba menos proyectos en ese entonces, había menos dinero para filmar, por lo que fue financiada en su totalidad por la extinta productora Altavista Films. La primera vez que se proyectó fue en el festival de Toronto, y Juan Carlos no tenía la menor idea de cómo iba a ser la recepción, de si el público se conectaría con el humor de la historia, pues de tanto concentrarse en la cinta no hubo muchas risas en el rodaje ni en la mesa de edición. Sin embargo, el público canadiense terminó a las carcajadas, y la película fue exitosa también en México. A la larga, no tuvieron que vender camisetas ni condones conmemorativos para recuperar la inversión.

Esta película "es la más comercial que he hecho", confiesa el director, "y la más comercial que voy a hacer". Su tirada, sin embargo, no es hacer películas solemnes que complazcan a la crítica festivalera, sino verse representado en historias donde "la profundidad se alcance por medio de la ligereza", de manera que sí pueda acercarse al público sin venderse a las fórmulas comerciales ni al mercado de los festivales.

Se tocó bastante el tema del cine festivalero en este debate. Dice nuestro invitado que el camino de los festivales es muy estridente, pues busca apantallar a la crítica. Recordó la anécdota de un amigo suyo de cuyo nombre no quiso acordarse por aquello de la discreción -un gran guionista y dramaturgo, aseguró Juan Carlos-cuya ópera prima tenía un maravilloso ingrediente de humor que terminó solemnizándose por asesoría de un seleccionador de un festival importante para que entrara en el festival. Al cortarle aquí y pegarle allá el autor se olvidó de contar su historia.

Sobre los problemas actuales del cine mexicano y la falta de espectadores, De Llaca piensa que los dos principales culpables son ambos extremos de la cadena: los guiones y los exhibidores. Sobre los segundos conocemos ya muchas de sus mañas para aniquilar los proyectos nacionales. Sobre los guiones, Juan Carlos está convencido de que el "vacío de contenidos" que todo lo puebla se debe en gran parte a que somos una "sociedad deprimida", y el pesimismo no permite que veamos salidas ni que nos demos cuenta de que tenemos mucho de qué hablar. "La desesperanza te cierra, no es que no haya talento".

"Hay algo en el trabajo del escritor que es estar tú contigo, y es de enorme placer", nos confiesa. "El fenómeno creativo es misteriosísimo, a veces quieres llevar a tu personaje a la playa pero cuando te das cuenta ya está en el bosque". Ante esto, él recomienda jamás ver para atrás: seguir al personaje por el bosque y ver a dónde te lleva.

Juan Carlos tiene ahora dos proyectos en marcha. El primero "se puede llamar Así es la suerte o Adiós Otelo", y se trata sobre un actor clásico que de pronto se contagia de una racha de mala suerte, y por estar sumido en la negatividad no puede salir de ello. El otro proyecto puede llamarse Gloria en las alturas o quizás Bendito estatus, pues trata sobre los precios que pagan los matrimonios de clase alta por mantener su nivel de vida.

Los esperamos el próximo MARTES 18 DE MAYO a las 20:00 con la proyección de una película que rescata tres cuentos de Juan Rulfo:

PURGATORIO

de Roberto Rochín

escrita por Elías Nahmías y Tomás Pérez Turrent

(México, 2008, 90 min.)

Estará con nosotros Elías Nahmías, cuya trayectoria en el mundo del cine incluye no sólo varios guiones con el mismo director, sino casi todos los puestos imaginables en una producción.

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 11: Por la libre

2010-05-07T16:51:00.000-07:00

Amigos,

Los invitamos a nuestra próxima proyección dentro del ciclo Cine Mexicano Contemporáneo II. En esta ocasión, proyectaremos

POR LA LIBRE

Dir. Juan Carlos de Llaca

Guión: Antonio Armonía

(México, 2000, 96 min.)

Foro Hilvana

Martes 11 de mayo, 2010

20:00

Estará con nosotros para el debate el director de la cinta.

¡Abróchense los cinturones!

Juan Carlos de Llaca

La angustia de vivir, la nostalgia por el pasado, la frontera entre lo imaginario y lo real y la otredad son algunos de los temas que inquietan a Juan Carlos de Llaca, talentoso cineasta mexicano que ha destacado tanto en el cine documental como en el de ficción.

Como muchos de su generación, el acercamiento de Juan Carlos de Llaca al cine se dio por medio de la experimentación con el formato de super 8mm. Tras su ingreso al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM, de Llaca realizó varios cortos y un par de mediometrajes en 16 mm que resultaron premiados. Su labor dentro del quehacer cinematográfico le ha permitido experimentar como guionista, editor y sonidista, además de director.

En 1992, su cortometraje Me voy a escapar se convirtió en uno de los más célebres de la década de los noventa. Su interesante propuesta visual, que mezcla lo imaginario con lo real, le logró una invitación para competir en la sección oficial de cortometrajes del Festival de Cannes, además de otras 60 invitaciones a distintos festivales cinematográficos internacionales.

En el aire representó su primera incursión en el largometraje y una gran satisfacción, al recibir nueve nominaciones al premio Ariel. Su segundo largometraje, Por la libre, fue producido por Altavista Films y logró una buen aceptación entre el público y la crítica. Actualmente prepara su tercer largometraje, mientras realiza comerciales y videos musicales.

Filmografía

Por la libre (2000) .... director
Centro Cultural Santo Domingo (1998) .... director (documental)
En el aire (1995) .... director y guionista
Me voy a escapar (1992) .... director, guionista y coeditor (cortometraje)
Monte Albán I: Muerte (1991) .... director, guionista y coeditor (cortometraje documental)
El sol de Monterrey (1989) .... director, guionista y coeditor (cortometraje documental)
Padre nuestro (1988) .... director, guionista y editor (mediometraje)
Recuerdos de Juan O'Gorman (1988) .... asistente de dirección (documental)
Los confines (1987) .... asistente de dirección
Sentido contrario (1987) .... sonidista (cortometraje)
Debutantes (1986) .... director, guionista y editor (mediometraje)
Acariciándome frente al espejo (1986) .... sonidista (cortometraje)
Suspiros 2 (1985) .... director, guionista y editor (cortometraje)
Suspiros 1 (1985) .... sonidista (cortometraje)
El visitante (1983) .... director, guionista y editor (cortometraje)
A distancia (1982) .... director, guionista y editor (cortometraje)
Transparencias (1980) .... director, guionista y editor (cortometraje)

http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/juancarlos_dellaca.html

Conejo en la luna

2010-05-05T00:17:00.000-07:00

por Lila Nieto

El cine es un retrato de su tiempo. Retrata las ciudades, los momentos, las culturas, y registra las dinámicas y sus transformaciones, por lo menos en potencia. Es un espejo en el que podemos reconocernos, si es que estamos dispuestos. En esta película, por ejemplo, podemos ver una ciudad de México en la que todavía los taxis eran color verde, adivinamos quizás que el departamento de Antonio (Bruno Bichir) y Julie (Lorraine Pilkington) está en la colonia Narvarte, sobre Cumbres de Maltrata, y que la corrupción de las autoridades mexicanas es todavía peor hoy en día. Este espejo también nos refleja en contraste con otra cultura, la inglesa, cuya corrupción es más flemática y contenida, menos chorreante y descarada que la nuestra. Cuestión de personalidades. Podemos ver igualmente cómo otras instituciones, como la embajada inglesa, no están preparadas para actuar en una emergencia, y que somos las personas quienes podemos ayudarnos unos a otros, aunque también las mezquindades personales obstaculizan las causas mayores. Este filme, después del documental En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo, fue el primero en filmarse sobre el segundo piso del periférico.

Aunque la película tiene ya seis años de edad, la siguen pidiendo en festivales, y sigue siendo la consentida de su autor, Jorge Ramírez-Suárez, pues es una historia que permanece actual, aunque ya se queda muy corta ante la situación de violencia, desintegración social, corrupción e impunidad que estamos viviendo ahora en México. Jorge contó sobre la serie de pláticas que sostuvo con un ex-judicial que "tenía una idea muy platónica sobre ser policía" cuando empezó su carrera, y que finalmente terminó saltando del barco después de haber vivido experiencias que, en palabras de Jorge, "si realmente hubiera puesto en la película lo que me contó, no la aguantaría nadie". También nos comentó que, en Inglaterra, la tensión que se genera con la separación de Julie y su bebé resultaba insoportable para algunos, pero "acá estamos acostumbrados" a eso.

Las complicaciones de filmar son distintas en cada país. En Inglaterra filmaron algunas escenas cortas dentro de la embajada mexicana, y necesitaron un permiso especial de la policía diplomática para hacerlo, y debieron seguir una serie de indicaciones como no estacionar carros frente al lugar, por lo que se hizo mucho más larga de lo común esa jornada de trabajo. En México, fue más barato construir un set igual a la puerta de abordaje del aeropuerto que pagar el permiso para hacerlo en el sitio, y filmar en las calles fue como jugar serpientes y escaleras porque, independientemente de que tuvieran permiso para hacerlo, llegaban los policías a impedir el trabajo hasta que recibían una mordida.

Conejo en la luna se estrenó en México en 200 salas y tuvo medio millón de espectadores, una miseria decente considerando que "el público mexicano no ve las películas mexicanas". Un asistente comentaba al respecto que lo que sucede es que ves una película que te gusta, por ejemplo la que vimos hoy, pero la siguiente que ves es algo indigerible y grotesco como por ejemplo Batalla en el cielo, de Carlos Reygadas, o de mierdosa calidad como El estudiante, de Roberto Girault. La película que vimos hoy se mantiene en el medio. Conserva su atmósfera de thriller, de ficción bien contada, y evita desgarrar al espectador con un espejo demasiado crudo o con un tema con el cual no pueda identificarse. Jorge adquirió vasta experiencia como lector y analista de guiones en Los Ángeles, California, y afirma, "no hago cine para los críticos y los festivales". Aún así, la película viajó por diversos festivales, y al director de la Berlinale le encantó, pues además de estar contada a la manera de un thriller hollywoodense, tiene un gran contenido político, cosa característica en las selecciones de ese prestigiado festival.

La película se estrenó también en diversos países europeos y en Brasil, donde tuvo buena recepción. El autor se sorprendió al enterarse de que el mayor éxito se alcanzó en Rusia y Turquía, seguido de los Países Bajos e Italia. En México había aproximadamente unas 150 mil copias piratas en la semana de su estreno.

Originalmente, Jorge situó la historia en Alemania, pues ahí reside, pero como todos los fondos para la producción cinematográfica de ese país son gubernamentales, no consiguió un centavo. En cambio, la productora inglesa con la que finalmente realizó la película es independiente y se interesó mucho en cuanto leyó el guión, que alcanzó 26 tratamientos antes de quedar listo para filmarse. Jorge encargó los diálogos de la versión final (o diré semifinal, con eso de que nuestra nueva sede está a distancia de un balonazo de la Federación Mexicana de Futbol) a un escritor inglés.

¿Existe una diferencia entre los actores ingleses y los mexicanos? La técnica de los actores ingleses lleva siglos perfeccionándose, y los mexicanos somos mucho más jóvenes en este campo. Jorge se admiraba de cómo todas las tomas de las escenas con Adam Kotz (Bower) o Reece Dinsdale (Tom) o Lorraine Pilkington (Julie) eran idénticas. La expresividad contenida que logran es poderosa. Sin embargo, Jorge sostiene que cada actor es totalmente distinto. Por ejemplo, Jesús Ochoa detesta ensayar, y prefiere que lo dejen en paz para construir a su personaje; en cambio, Bruno Bichir necesita mucho trabajo de análisis teórico y largas pláticas con el director para generar su proceso creativo. Cada vez que terminaba el llamado, Bruno se metía al famoso teatro de la compañía de Shakespeare para deleitarse con su legendaria maestría. Y Carlos Cobos, quien estuvo a punto de rechazar el proyecto porque tenía apalabrada una pastorela, se ganó un Ariel por su papel como Mario "El gordo" Corona.

Los problemas del cine mexicano son vastos y complejos, o qué pensaban. Incluso ahora que existen más fondos gubernamentales (Foprocine, Fidecine) e incentivos fiscales (Eficine, mejor conocido como "el dos veintiséis"), estos fondos se utilizan para la producción, pero no existen apoyos para la distribución. En Alemania, por ejemplo, es el gobierno el que paga las copias para estrenar (que cuestan unos mil dólares cada una), y no el distribuidor, como sucede en México. Y es que en los países que mantienen una industria cinematográfica sana a pesar de que las pantallas de todo el mundo están llenas a más del 60% por cine de Hollywood, existen leyes que protegen su cine, que lo subsidian desde la producción hasta la distribución, y que obligan al exhibidor a proyectar un porcentaje de cine nacional. El caso más admirable es Francia, donde más del 35% de lo que se proyecta es cine francés, y el 11% del dinero que entra en taquilla se utiliza para financiar más películas. Aquí, el único que gana dinero del cine es el exhibidor, y los distribuidores (como Gussi Artecinema, una de las distribuidoras más grandes del país) ya se la piensan dos veces antes de entrarle a una película mexicana con la cual lo más probable es que pierdan dinero. Jorge piensa que la única alternativa es que se modifique la ley. Hay que estudiar el reciente proyecto de Ley Federal de Telecomunicaciones y Contenidos Audiovisuales. http://www.amedi.org.mx/

Para colmo, el personal que trabaja en los cines no está capacitado. El mismo muchacho que hoy sirve palomitas mañana limpia las salas y al día siguiente es el proyeccionista, y no tiene idea de lo que cuesta una copia en 35mm ni del cuidado que debe proporcionarle para rebobinar el carrete. La mayoría de las copias quedan tan arruinadas (las rebobinan a toda velocidad en una máquina con todo y el polvo pedregoso que se les pega del suelo) que "parece que les bailaron encima el jarabe tapatío". Sin embargo, aunque al empleado se le puede recriminar el descuido, es el exhibidor quien no se preocupa por capacitarlo y mucho menos por brindarle condiciones dignas de trabajo. Incluso cuando ha habido un esfuerzo por capacitar a los empleados de los cines, lo que sucede es que, como ninguno tiene sueldo suficiente ni prestaciones, a los tres meses ya se han cambiado de trabajo y empezamos otra vez... Recordamos con nostalgia al cácaro de Cinema Paradiso que guardaba los besos censurados, o al proyeccionista retirado al que Jorge alguna vez entrevistó que se apresuraba en su bici al terminarse el primer carrete para proyectarlo en el otro cine del pueblo. ¡Ese es un cácaro!

¿Hubo problemas de censura para exhibirla en México? No exactamente. Realmente no, y eso se lo aseguró un trajeado cuya loción conservaba un buqué priísta dentro de la Secretaría de Gobernación durante el sexenio de Fox, cinco días antes del estreno, con palabras que bien pudieron haber sido como estas: "Este es el gobierno del cambio, y no hay censura, pero las cosas ya no son así como las pinta en la película. Por favor, ponga mucho hincapié en que esto es una ficción." Sin embargo, le dieron la clasificación "B-15", que le permitiría mayor audiencia que si le hubieran dado la "C". Algo que aprendió el gobierno con El crimen del padre Amaro fue que la publicidad negativa jala muchos espectadores. Es mejor quedarse quietecitos y esperar que todo se diluya.

Jorge Ramírez-Suárez tiene una película más reciente que esta, Amar (2009), con la que se aleja del thriller político para construir un entramado de relaciones amorosas entre parejas de distintas edades. Pronto se estrenará también la película Los inadaptados, que conjunta cuatro historias contadas por cuatro directores, uno de los cuales es él. Esta película se filmó con "la mejor cámara que existe", una Sony F35, que graba en alta definición pero que capta el mismo o incluso un mayor rango de luz que la película de 35 mm, cosa que hasta ahora ha sido uno de los principales problemas de las cámaras digitales. Claro, la nena cuesta medio millón de dólares.

¿Qué hacer ante la apatía del público mexicano que se rehúsa a ver películas nacionales y ante su irregular calidad que muchas veces lo único que logra es demostrar por qué los espectadores prefieren los churros gringos? Podemos seguir con esta labor de difusión y discusión del buen cine mexicano.

Bienvenidos sus comentarios a esta reseña.

Los esperamos el próximo martes 11 de mayo con Por la libre, de Juan Carlos de Llaca, quien estará con nosotros en el debate. La proyección comienza a las 20:00.

¡Abróchense los cinturones!

MARTES 4: Conejo en la luna

2010-05-03T11:38:00.001-07:00

Queridos cinéfilos,

Este MARTES 4 DE MAYO los invitamos a la proyección de un thriller que muestra la corrupción de las autoridades encargadas de la justicia.

CONEJO EN LA LUNA

de Jorge Ramírez Suárez

(México/Reino Unido, 2004, 112')

Foro Hilvana

Colima 378

entre Salamanca y Cozumel

Col. Roma Norte

Frente a la Federación Nacional de Futbol

Proyección a las 20:00

Jorge Ramírez Suárez

Nos acompañará para el debate de esta película su autor, Jorge Ramírez Suárez, quien estudió Comunicación en la UNAM y cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica, donde fue parte de la generación más prolífica de dicha escuela de cine, Los Ukeleles, a la que también pertenecen cineastas como Rodrigo Prieto (fotógrafo), Nacho Ortiz (escritor y director), Daniel Gruener (director) y Bruno Bichir (actor y productor), entre otros.

Posteriormente, Jorge estudió con el famoso guionista norteamericano Syd Field, y se mudó a Los Ángeles, California, donde trabajó como escritor y consultor en diferentes productoras de Hollywood.

Antes de filmar Conejo en la Luna, Jorge produjo varias películas, entre las que destacan La mujer de Benjamín, de Carlos Carrera, Hasta morir, de Fernando Sariñana y El grito, de Gabriel Beristáin.

Filmografía

Los inadaptados (2010) (en postproducción)

Amar (2009)

Los simuladores (2008) (serie TV, capítulo "Recursos humanos")

Conejo en la luna (2004)

Pronto saldremos del problema (1998)

Morena (1995)

No quiero discutir (1991)

Pablo y el video (1991)

El túnel de la ciencia (1989)

Conejo en la luna

Esta película, que Jorge escribió, dirigió y produjo, participó en los festivales de Moscú, Los Ángeles, Huelva, Londres, Cape Town, Atenas, Río de Janeiro, Sao Paulo y Hamburgo, además de haber sido seleccionada en 2005 en el Festival de Berlín. Esta película obtuvo ocho nominaciones a las Diosas de Plata y tres al Ariel. En el festival de Toulousse obtuvo el Prix Rail D'oc como mejor película.

http://www.biosstars-mx.com/j/jorge-ramirez-suarez.html

http://www.imdb.com/name/nm0709182/

¡Abróchense los cinturones!

MAYO: Cine mexicano contemporáneo II

2010-04-28T11:26:00.000-07:00

Queridos cinéfilos,

Gracias a todos los que asistieron a nuestra fiesta de reapertura y a quienes nos acompañaron con el pensamiento.

En mayo iniciaremos proyecciones, todos los martes a las 20:00 en nuestra nueva casa, con la segunda edición de un ciclo que resultó muy interesante el año pasado: Cine Mexicano Contemporáneo. En este ciclo nos acompañarán para el debate los autores de los filmes.

Comenzamos con un thriller político que critica la corrupción de las instituciones encargadas de la justicia y que termina en una especie de intriga internacional:

CONEJO EN LA LUNA

de Jorge Ramírez Suárez

(México/Reino Unido, 2004, 112 min.)

Nos acompañará Jorge Ramírez Suárez, cuya trayectoria como cineasta lo involucra como director, productor y guionista de este filme, así como de varios otros desde que comenzó su carrera a finales de los años 80.

Los esperamos este MARTES 4 DE MAYO a las 20:00:

Foro Hilvana

Colima 378

entre Salamanca y Cozumel

Col. Roma Norte

(frente a la Federación Nacional de Futbol)

Cooperación: $20

Ayúdennos a hacer este proyecto sustentable.

Reapertura en el Foro Hilvana

2010-03-22T11:40:00.000-07:00

Amigos,

El Cineclub Jaime Casillas se despide de su casa materna, la Escuela de Escritores de Sogem, pues ha encontrado una nueva cobachita: el foro Hilvana. Pero, queridos sogemitas, no teman que sólo Judas temió, pues somos hermanos y nuestra casa siempre estará abierta para ustedes como para todo aquel que decida darse una vuelta por ahí.

¡Vengan a la fiesta de reapertura!

Cineclub Jaime Casillas en el Foro Hilvana

Fiesta de Reapertura

MARTES 27 DE ABRIL 2010

20:00

Los Treinta Tíos en vivo

Bar y proyección bizarra

Colima 378

entre Salamanca y Cozumel

colonia Condesa

México, DF

Vengan a conocer la nueva sede, a nuestra nueva familia, la próxima cartelera, y a enterarse de todas las actividades culturales que se tejen en el foro Hilvana.

http://www.facebook.com/home.php?#!/event.php?eid=117476418266475&index=1

Comenzaremos nuestras proyecciones el 4 de mayo, todos los martes a las 20:00.

¡Abróchense los cinturones!